Daniel Oscar Buira, el baterista de la banda Los Piojos, murió esta madrugada, a los 55 años, cuando se encontraba en una escuela de percusión del partido bonaerense de Morón luego de descompensarse y quedar sin respiración.

Fuentes policiales informaron a la Agencia Noticias Argentinas que el músico se encontraba en la “Escuela de Percusión La Chilinga”, cuando, desde el lugar, realizaron un llamado al 911, por lo que efectivos arribaron al espacio donde uno de los presentes sostuvo que el baterista estaba en un patio interno y había solicitado ayuda porque “no podía respirar”.

En tanto, el mismo testigo indicó que al salir a asistirlo, se descompensó, perdió el conocimiento y dejó de respirar. Por su parte, el personal del SAME constató el fallecimiento en la escuela.

Los efectivos dialogaron con familiares que indicaron que el músico tenía asma. No obstante, el Ministerio Público Fiscal dispuso medidas de rigor, ante la ausencia de cámaras de seguridad en el interior de la escuela, aunque sí quedó registrado el área externa. El caso está en manos de la UFI 8.

Una vida dedicada a la música

Buira fue parte de “Los Piojos" desde sus inicios a fines de la década del 80 y se consolidó como uno de los pilares rítmicos del grupo, donde acompañó el crecimiento de la banda hasta su separación en 2009.

A lo largo de su carrera, el músico participó en la grabación de discos emblemáticos del rock nacional como “Chactuchac” (1992), “Ay ay ay” (1994), “Tercer arco” (1996), “Azul” (1998) y “Verde paisaje del infierno” (2000), trabajos que marcaron a una generación y posicionaron a la banda como una de las más convocantes de la escena local durante los años 90 y principios de los 2000.

En ese marco, integró la etapa de mayor masividad del grupo, con presentaciones en estadios y festivales multitudinarios, entre ellos los recordados shows en el estadio de River Plate y giras por todo el país. Su estilo combinaba la base del rock con elementos de la percusión latinoamericana, y se convirtió en un referente dentro de su instrumento en la escena local.

Tras la disolución del grupo, Buira continuó ligado a la música a través de distintos proyectos y colaboraciones, además de profundizar su faceta como percusionista, exploró ritmos y formatos más ligados a lo colectivo y lo experimental.

Además, desarrolló una intensa actividad como docente, vinculado a espacios de formación musical y talleres, con un fuerte compromiso en la transmisión de conocimientos a nuevas generaciones de músicos.

En ese sentido, mantenía un vínculo activo con la Escuela de Percusión La Chilinga, un espacio reconocido por su trabajo con ritmos afro y latinoamericanos, donde impulsaba el aprendizaje desde lo comunitario.

El legendario músico Charly García cumple hoy 73 años y lo celebra con el relanzamiento de su último álbum “La Legión del escorpión”, en formato CD y vinilo, que incluye colaboraciones con artistas como David Lebón, Pedro Aznar, Fito Páez y Luis Alberto Spinetta, esta última agregada con inteligencia artificial.

Carlos Alberto García Moreno, su nombre completo, nació el 23 de octubre de 1951 y es considerado una de las voces más importantes en Argentina, junto al Flaco Spinetta. El cantante fue parte de las míticas bandas Sui Generis, Porsuigieco, Serú Girán y La Máquina de Hacer Pájaros que marcaron generaciones.

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¿Dónde está Charly?

El artista se tomó un descanso de sus producciones y viajó a Córdoba para asistir al megashow que Paul Mccartney brindará en el estadio Mario Alberto Kempes este miércoles 23 de octubre.

Charly mantiene actualizado a su millón de seguidores en Instagram y, hace menos de una semana, publicó fotos y videos del backstage de sus producciones para su último álbum, La lógica del escorpión.

En una producción realizada en el exclusivo hotel Faena, Charly colaboró con la marca de ropa argentina AY NOT DEAD, para presentar sus “tema 2” y “tema 3”.

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Además, se conocieron imágenes exclusivas del cantante publicadas por sus amigos cercanos celebrándolo en su día.  

Tras un largo período de "desaparición" mediática, salió a la luz un nuevo video de Pity Álvarez en el que se ve bien pese a las complicaciones que sufrió en los últimos meses.

El ex-líder y fundador de bandas míticas del rock barrial como Viejas Locas e Intoxicados fue captado por las cámaras en una charla entre amigos, donde mostró una lucidez y fluidez al hablar que sorprendió y alegró a sus seguidores.

El video fue compartido en X por el usuario Flight 956.

Pese a presentar algunas marcas en su rostro producto de su dura vida, Cristian Gabriel Álvarez se mostró bien, entero y hablando con total normalidad.

Álvarez ingresó al hospital Público Francisco Javier Muñiz tras sufrir una infección relacionada con una operación de cadera realizada en otra clínica. Según fuentes cercanas, estaba "internado en observación, estable y con evolución favorable", bajo la estricta vigilancia del personal médico debido a que "las infecciones requieren cuidado especial".

El accidente en moto que sufrió en abril de 2017, mientras circulaba por la autopista 25 de mayo, le causó fracturas en la cadera y el platillo tibial. En ese momento le colocaron una prótesis, pero aún tenía pendiente una operación que se realizó hace casi dos meses. Sin embargo, esta intervención se complicó, lo que derivó en su internación en el hospital Muñiz.

La semana pasada, el cantante fue trasladado del Hospital Público Francisco Javier Muñiz a la Clínica Privada Semed, haciendo lo posible por evitar ser visto.

Cromañón es una marca imborrable en la historia del rock argentino. La tragedia, ocurrida el 30 de diciembre de 2004, se desencadenó cuando un espectador encendió una bengala durante un recital de la banda "Callejeros", liderada por Patricio Fontanet. El incendio resultante dejó 194 muertos y 1432 heridos, convirtiéndose en un doloroso capítulo para la sociedad argentina.

"Cromañón":Por el trailer de la serie de Prime Video pic.twitter.com/AETfTr5DFF

Este impactante evento ha sido adaptado a una serie que próximamente estará disponible en Prime Video. La plataforma de streaming ha lanzado el primer tráiler de "Cromañón", una serie dirigida por Marialy Rivas y Fabiana Tiscornia, escrita por Josefina Licitra, Pablo Plotkin y Martín Vatenberg, y producida por Armando Bo, Natacha Cervi, Mercedes Reincke, Rivas y Tiscornia.

La serie, inspirada en los hechos de aquella trágica noche, sigue la historia de Malena, una joven de 19 años interpretada por Olivia Nuss, que asiste al recital de su banda favorita sin imaginar la tragedia que se avecina. Cuatro años después, Malena regresa a su barrio para confrontar el pasado y enfrentar la culpa por sobrevivir.

El elenco incluye a José 'El Purre' Giménez Zapiola, Santiago 'Toto' Rovito, Soledad Villamil, Luis Machín, Paola Barrientos, Carolina Kopelioff, Kevin 'Kevsho' Roberto, Alan Madanes, Lautaro Rodríguez, Daniela 'La Chepi' Viaggiamari y Antonia Bengoechea. La serie también contará con participaciones especiales de Esteban Lamothe y Muriel Santa Ana.

Aunque aún no se ha anunciado una fecha exacta, se espera que la serie se estrene antes de fin de año en Amazon Prime Video. Disponibles para los suscriptores de Prime en 240 países, la serie busca contar la historia de una de las tragedias más significativas en la historia argentina.

“Pronto, pronto habrá señales”. Las palabras de Andrés Ciro el viernes por la noche sobre el escenario del Movistar Arena fueron la prueba final de que algo grande se venía relacionado con Los Piojos. En realidad, el del cantante fue el anteúltimo indicio, ya que horas después, la cuenta oficial del grupo publicó un video poniéndole fecha al anuncio: miércoles 4 de septiembre, 12.57 horas. En el medio, un guiño del destino puso a la cabeza de la quiniela nacional al 87, Los Piojos según los sueños. Y llegó el momento tan esperado con la noticia que todos querían escuchar. 

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“¡Hay reencuentro! Se viene un nuevo Ritual Piojoso. Después de 15 años nos volvemos a encontrar”, dice el texto con el video en el que presentan la novedad. La banda de El Palomar tocará el 14 y 15 de diciembre en el Estadio Único de La Plata, una información que había adelantado Teleshow el pasado sábado. Proximamente, se difundirá cómo se pueden adquirir las entradas y si agregan más fechas a las dos pautadas. Las versiones extraoficiales indican de un total de cinco conciertos en el estadio platense y la presencia en dos festivales, el Cosquín Rock que se realizará en febrero y el Quilmes Rock, programado para abril

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Los rumores de la vuelta del grupo cobraron fuerza definitiva al acercarse los quince años del último ritual, realizado el 30 de mayo de 2009 en el estadio de River Plate. Cinco días antes, de un momento al otro, aparecieron las cuentas oficiales en las redes promocionando la publicación del mencionado concierto. Lo que hasta entonces era una expresión de deseos por el que se cantaba en cada proyecto de los músicos, dejaba de ser utopía para convertirse en esperanza.

En rigor de verdad, la chispa de la ilusión, esa que necesitan siempre los piojosos, se encendió hace casi un año, con la presencia del guitarrista y fundador Daniel Piti Fernández en el show de Ciro y Los Persas en Vélez. El actual líder de La Franela había pegado un portazo en 2008, antes de la disolución, y las cosas no habían quedado nada bien con el cantante, al punto que fue el único ausente de la formación clásica en la despedida del Monumental. Por eso, su aparición en el Amalfitani fue analizado por los fanáticos como mucho más que el reencuentro de dos viejos compañeros de ruta.

“Voy a invitar a un viejo amigo para que cante un tema que él compuso”, dijo Ciro, y Piti apareció para entonar su hit “Bicho de ciudad”. Luego se quedó para tocar en “Pacífico”, otro de los puntos altos de Civilización, último disco de estudio del grupo. “Lo que estaba trabado, se destrabó. Si estuviese Tavo entre nosotros ya estaríamos vendiendo entradas para fin de año”, dijo el guitarrista un par de días después del encuentro en diálogo con Todo lo demás también (FM Mega). La referencia es para Gustavo Kupinski, guitarrista del grupo, fallecido en 2011 en un accidente de tránsito. El tiempo pasó, las heridas sanaron y las posiciones se fueron acercando. Ahora, con la brújula puesta en la ciudad de las diagonales y el calendario en el 14 de diciembre, solo resta esperar.

Este miércoles 4 de septiembre se cumplen 10 años del fallecimiento de Gustavo Cerati, que se produjo en la mañana del jueves 4 de septiembre de 2014 como consecuencia de un paro respiratorio.

A la triste noticia, tristísima, la dio horas más tarde el doctor Gustavo Barbalace, director Médico de la Clínica Alcla, donde el músico estaba internado en estado de coma. Por entonces, Cerati tenía 55 años.

Enterados de todo, el pueblo argentino en general y los amantes del rock latinoamericano en particular sintieron un dolor insoportable, a pesar de que, en este caso, la llegada de la muerte también representaba cierto alivio. ¿Alivio? Sí, por cuanto el desenlace interrumpía la estadía en un limbo incómodo que había comenzado el 15 de mayo de 2010, al cierre de un show en Caracas, Venezuela.

Hablamos de un dolor cuya inmensidad fue directamente proporcional al legado de este músico fulgurante, cuyo rasgo distintivo fue un talento inmensurable para sintetizar vanguardias en boga y luego convertirlas en algo novedoso. Y de fácil acceso, para que germine al calor de las masas.

Claro que hubo otro aspecto de la vida de Cerati que excedió lo puramente musical pero que tuvo un impacto similar en nuestro imaginario: manejó una estampa, una puesta en escena de sí mismo, en la que la distancia “artista - gente” jamás se achicó.

Cerati fue una auténtica estrella, un intocable, una fantasía animada. Y tenía rock, pelaba, se la bancaba. Certifica este último punto cualquier revisión que se haga de sus shows y su condición de entretenedor nato, que llevó el concepto de espectáculo a niveles inéditos para el entretenimiento argentino.

Cerati fue quien convirtió en exportable a nuestro rock, al frente de Soda Stereo, la gran bestia pop que formó junto a Zeta Bosio y Charly Alberti.

En el contexto del rock nacional, emergió con Soda Stereo como una oxigenación new wave que acompañó el despertar democrático. Y aunque se lo asoció con cierta pulsión creativa superficial, Cerati supo manejar líricas con maestría.

La canción Dietético, por ejemplo, dio cuenta de un manejo formidable del doble sentido: el estribillo “el régimen se acabó” no sólo aludía al ejercicio narcisista de verse bien, tan en boga en los primeros años de 1980.

Este tipo de recurso resonaba como “publicitario”. Era lógico, si se tiene en cuenta que en 1979 Gustavo había ingresado en la carrera de Publicidad en la Universidad de El Salvador. Fue allí donde conoció a Zeta.

Fue entre análisis de posicionamiento de marca que germinó el sonido moderno y superador que luego distinguió a Soda. The Police, XTC, Elvis Costello fueron las influencias contemporáneas al promedio de la carrera universitaria y al despertar del grupo más grande que haya alumbrado nuestro rock.

Con el tiempo, y con Gustavo como máximo impulsor, Soda estilizó sus capacidades para filtrar lo que suena “allá” para convertirlo en algo bello y al alcance de todos “acá”.

Pero hacia fines del siglo pasado, el grupo se convirtió en un proyecto paquidérmico, que llegó a asfixiar a un Cerati que ya había dado indicios de que se la bancaba como solista a partir de Amor amarillo (1993), un disco sobre la sensación de estar embarazado. Pero aun desgastado, el grupo nunca entregó un disco en falso.

Consumada la separación de Soda Stereo, Cerati se volvió más inasible. Coqueteó como nunca con la electrónica, empezó a retacear los shows en vivo, las giras nacionales. Apadrinó a nuevos artistas y, acaso involuntariamente, se convirtió en un gurú ensimismado en su cúpula.

Fue entonces que se transformó en blanco del rock suburbano, que buscaba un ícono cool al que oponerle honestidad barrial. Tremenda figura no merece quedar asociada a semejante estupidez. Cerati fue sutileza, la socialización de un arte superior.

Cerati experimentó como solista en 1993, con "Amor amarillo". Retomó ese camino luego de la separación de Soda Stereo, en 1997. (La Voz/ Archivo)

Antes de morir, Cerati llevaba cinco años en un limbo extraño, que dinamitaba las esperanzas de un despertar saludable a medida que éste amenazaba con perpetuarse.

Benito y Lisa, sus hijos, su madre Lilian Clark, y su hermana Laura Cerati, además de amigos cercanos y socios creativos de siempre, pasaron por este proceso de incertidumbre con hidalguía y gestos incondicionales.

Por eso, cuando se hizo imposible sortear las trampas del dolor, sólo quedaba abrazarlos con respeto y amor. Mucho amor. Después de Cerati, nuestras vidas siguieron como pudieron, con la certeza de que había que desenvolverse en un área devastada.

Entonces atestiguamos un desfile de biografías (la extraoficial Cerati, de Juan Morris; la oficial Algún tiempo atrás, de Sergio Marchi), puestas en valor de discos y hasta una gira inmersiva y con invitados de Soda Stereo.

Una retromanía previsible que nunca podrá empardar la proyección de qué sería del mundo si Gustavo Cerati aún permaneciera en él. De haber sobrevivido al episodio caraqueño, Cerati tendría 65 años y, tranquilamente, podría decir lo que le dijo a La Voz en su última entrevista, ofrecida a fines de 2009.

“Sólo pienso en enfocarme en algunos aspectos en los que antes no me enfocaba. Soy una persona que no reconoce tener menos energías que cuando tenía 20, pero el físico es el físico. No me pongo en la actitud de hacer todo lo posible para no envejecer. Voy a hacer todo lo posible para pasarla bien. Me acompañan un montón de factores, salud y el cariño de gente cercana, el amor de mucha gente”, dijo.

“Es ridículo hacer tanta fuerza contraria contra el paso del tiempo. El paso del tiempo te da un plus que el pasado nunca te pudo entregar”, añadió.

En aquella charla, también se refirió a uno de los primeros versos que destaca Fuerza natural, la canción que abre su último disco, que llevó el mismo nombre, con un desarrollo folkie, psicodélico; un desarrollo que, además de exaltar la energía misteriosa que subyace en un todo inabarcable, estaba atravesado por la numerología y por un exotismo sofisticado.

“Es lindo poder enunciar esa frase”, confesó.

“Muchas veces uno intenta ser creativo y para ello se exprime de manera emocional –añadió–. Y aun cuando no lo vive, se inventa una situación de melancolía, de presión, de dolor. Parece que el dolor es mejor motor de la creatividad. En esta etapa de mi vida, el desafío pasó por crear algo desde un lugar de disfrute sin perder profundidad”.

“No estoy en contra de lo frívolo por lo frívolo en sí. Lo que estoy diciendo es tan profundo como clavarme un puñal. Es doblemente valioso, para mí, poder escribir sin crearme un ambiente de insatisfacción. No quiero decir que estoy “viva la Pepa”. La verdad es que estoy disfrutando mucho, y todo eso de la crisis no sé por dónde irá. A veces pienso si no son imposiciones surgidas por cuestiones culturales”, cerró.

Parece que no sólo la banda Oasis se volverá a unir tras 15 años, ya que en un sugerente posteo Los Piojos ilusionaron a sus seguidores al dar a entender que podrían regresar a los escenarios.

La histórica banda liderada por Andrés Ciro Martínez posteó un video que provocó todo tipo de reacciones de sus fans, que sueñan con volverlos a ver juntos. En el video solo se ven las vías del tren por lo que sus fans interpretaron que tiene relación con el tema “Ay ay ay”, que dice: “Mirando la vía pasar. Subido en el techo, el techo del tren. Siento libertad, siento poder. Nada nos detiene, ninguna ciudad. Demasiado peso, bestia de metal. Ay ay ay”.

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En mayo ocurrió algo similar cuando los seguidores soñaron con un regreso, pero finalmente el anuncio de Los Piojos fue que se encontraba disponible en Spotify el disco "Ritual Piojoso", grabado en vivo en el año 2009 durante un recital en River Plate.

La banda de Rock Los Piojos se conformó en el año 1988, convirtiéndose luego en uno de los grupos más populares de la década del '90, marcando a toda una generación. 

En las últimas horas Lali Espósito había generado una alta expectativa tras el anuncio de un lanzamiento que se develaría este miércoles por la tarde. A las 19 en punto, hora señalada del estreno, se supo que se trataba ni más ni menos de una versión de “Mil horas” cantada por la gran bestia pop argentina. El cover de Los Abuelos de la Nada, escrito por Andrés Calamaro y publicado originalmente en 1983 en el disco Vasos y Besos, es parte del proyecto capitaneado y producido por Cachorro López para darle una nueva vida a las históricas canciones de la banda creada por Miguel Abuelo.

“MIL HORAS. ¡Qué emocionnnnnn hacer esta versión de semejante clásico del nuestro rock argentino! Gracias por pensarme para este proyecto tan mega, Cachorro. Es un lujazo trabajar con vos!”, escribió la diva pop al publicar un pequeño fragmento del videoclip en su cuenta de Instagram.

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En el audiovisual en cuestión, que lleva una estética muy ochentosa en cuanto a las luces, el look de la cantante y el automóvil al que se sube para refugiarse de la lluvia a la que aluden los versos del tema, Lali pone el casette de Los Abuelos y canta mientras parece estar esperando a alguien. De pronto, otro coche entra en escena y ella sale del suyo hacia el encuentro. Pero en vez de entrar, se despoja de su piloto, queda en ropa interior y baila de manera muy sensual mientras es mojada por la tormenta. Al finalizar la canción, vuelve a su vehículo, arranca y se pierde en la oscuridad de la noche.

“Lo que sale ahora en un rato es algo reeee especial para mí. Una pieza que es parte de algo de lo que amo formar parte. Espero les guste”, había adelantado Lali una hora antes del lanzamiento a través de un mensaje que publicó en su canal de difusión de Instagram. Y también escribió un efusivo “viva la música” en su cuenta de Twitter, a la expectativa de la publicación del tema.

Esta versión de “Mil horas” es el tercer adelanto de un álbum que, con producción de Cachorro López, verá la luz este año. Antes se había editado una de “Himno de mi corazón”, en la que López, Calamaro y Daniel Melingo se reunieron por primera vez en un estudio de grabación después de casi cuarenta años. Meses después se publicó “Así es el calor”, con la participación del grupo El Zar y los coros de Andrés. En lo que queda por develarse de este esperado disco colaborará también Gustavo Bazterrica, el guitarrista de la formación más icónica de Los Abuelos de la Nada.

“’Mil horas’ es como el ‘Cumpleaños feliz’, ya es anónima. ¿Puede haber algo más grande en el arte que algo anónimo? La Biblia, Las Mil y Una Noches, el Cumpleaños Feliz. Eso es anónimo. ‘Mil horas’ en el norte de Sudamérica o en Centroamérica es una canción que se escucha o se baila en cada cumpleaños, cada bautismo, cada cumpleaños de 15, cada casamiento... Y nadie sabe que es una canción de Los Abuelos de la Nada ni que es mía, ¿no?”, comentó el propio Calamaro acerca del poderío de este clásico que escribió junto a su socio compositivo Marcelo Cuino Scornik.

Este miércoles, luego que Lali Espósito presentara la canción reversionada de “Mil Horas” tuvo una gran repercusión entre sus seguidores, en especial en las redes sociales. Y quien se sumó a la lista de felicitaciones fue nada menos que Andrés Calamaro, uno de los compositores del clásico tema de Los Abuelos de la Nada. “Mil gracias LALI por cantar nuestra canción... Que es de todos. De mil amores”, dejó plasmado en su cuenta oficial de Twitter, mientras arrobó a la artista y se sumó al posteo de Lali con el video del estreno de la canción.

En una entrevista reciente con Infobae, Fabiana Cantilo reveló detalles sobre su situación económica, destacando que depende de sus presentaciones en vivo para subsistir y que aún enfrenta desafíos financieros. 

Fabiana Cantilo: "Me gasté toda mi plata, vivo al día" https://t.co/csIpr7dr3K pic.twitter.com/nRAli8dKzr

"Me gasté todo mi dinero. Tengo para vivir al día, sí. Está bueno porque, caso contrario, no cantaría, estaría tirada abajo de una palmera y me chuparía un huevo todo", expresó Cantilo, reconocida solista del rock argentino, que ha colaborado con figuras como Charly García y Fito Páez, este último también uno de sus grandes amores. 

Agregó que necesita realizar al menos dos shows por mes para pagar el alquiler, ya que no tiene casa propia, y reflexionó sobre su pasado de adicciones: "Jodete por drogadicta. Por serlo antes. Hace 11 años que no consumo. Me digo: 'Jodete por no hacer las cosas bien'. No me quejo".

Al ser consultada sobre qué cosas no hizo bien en su carrera, Cantilo mencionó situaciones como quedarse sin dormir, suspender shows y generar una mala reputación entre los productores, quienes dudan en contratarla. 

Comparándose con otros artistas más exitosos y disciplinados, como Lali Espósito y Fito Páez, comentó con humor: "Yo soy Lady Vaga". Actualmente, Fabiana Cantilo no tiene programado ningún concierto en Córdoba, su última visita a la ciudad fue en noviembre del año pasado en Quality Espacio.

Una mujer de 31 años denunció haber recibido una puñalada en el concierto de La Renga y ya es el segundo episodio violento en el show que se llevó a cabo en el estadio de Racing.

Cecilia Barrios (31) relató en su denuncia que el sábado 6 de enero se presentó en la cancha de la localidad de Avellaneda para ver el show de La Renga. Allí contó que “dos personas se pelearon y uno de ellos portaba un elemento punzo cortante y al separar recibe una lesión en la zona abdominal”.

La víctima recibió puntos de sutura y reposo por la lesión. Ante la viralización del primer caso, el golpe de un seguridad a un joven, la mujer decidió dar a conocer el hecho por redes sociales.

Esa misma noche un joven fue noqueado por un empleado de seguridad luego de una pelea presuntamente por entradas falsificadas.

Un video registró el momento en el que Ezequiel Ezpíndola (33) le dio un golpe de puño en la cabeza a Jorge Rafael Rozando que quedó tendido en el piso inconsciente.

Por el ataque la víctima se encuentra internada en el Hospital Fiorito con heridas en la cabeza y pérdida de piezas dentarias.

Los médicos confirmaron que está internado en la unidad de terapia intensiva con asistencia respiratoria mecánica, mientras que el agresor fue detenido e imputado por lesiones graves.

Cristian “Pity”  Álvarez, reconocido como el ex líder de las bandas de rock Viejas Locas e Intoxicados, ha dejado la Fundación Eira, el centro donde estaba internado para recibir tratamiento psiquiátrico, y actualmente se encuentra prófugo.

Álvarez, quien estaba internado en la Fundación Eira mientras se suspendía su juicio por su presunta participación en el asesinato de su vecino en el barrio porteño de Villa Lugano en 2018, abandonó el centro en el que estaba siendo tratado, a pesar de tener autorización para salidas transitorias. La fundación ya ha presentado una denuncia en la comisaría de Malvinas Argentinas informando sobre su desaparición.

La madre de Cristian Pity Álvarez, Cristina Congiú, había expresado públicamente su preocupación por la salud de su hijo en días recientes, destacando que este se encontraba en un profundo estado de depresión. La preocupación de Congiú se vincula, en parte, con el grave accidente de motocicleta que Álvarez sufrió en 2017, el cual resultó en fracturas en su cadera y en el platillo tibial de una pierna.

La madre también insinuó que otras circunstancias contribuyen a la deteriorada salud de su hijo, además de sus adicciones. "No lo veo ni siquiera entendiendo qué es lo que pasó", expresó Congiú en referencia a las acusaciones de asesinato que pesan sobre el músico.

Recientemente, se ratificó la suspensión del juicio de Álvarez por el homicidio mencionado, así como la suspensión de su arresto domiciliario y la retirada de su tobillera electrónica de monitoreo. La Justicia Civil tenía la responsabilidad de supervisar su rehabilitación y tratamiento para el consumo de sustancias. No obstante, la falta de supervisión parece haber facilitado su fuga, y actualmente se desconoce su paradero.

Cristian Pity Álvarez, conocido por liderar dos influyentes bandas de rock y blues rock durante los años 2000, se encuentra actualmente en el centro de un enigma que ha capturado la atención de sus seguidores y del público en general mientras las autoridades buscan esclarecer su situación y ubicación actual.

El cantante se encontraba internado desde el sábado en el Instituto Argentino del Diagnóstico y el Tratamiento, donde le realizaron varios estudios.

Este martes por la tarde, Charly García confirmó a través de redes sociales que ya se encuentra en su casa, luego de haber estado internado en el Instituto Argentino del Diagnóstico y el Tratamiento en Recoleta desde el pasado sábado 12 de agosto. El músico publicó un mensaje para su público y se mostró muy sonriente.

“¡Ya en casa! Gracias a todos por preocuparse. SNM”, escribió el compositor de 71 años. El creador de Say No More había llegado a la guardia durante el fin de semana y los médicos decidieron dejarlo en el nosocomio hasta poder evaluar los resultados de los estudios, habían señalado en ese momento fuentes ligadas a la compañía discográfica Sony a Teleshow.

Las primeras versiones sobre la salud del músico las dio en horas de la mañana del sábado Ángeles Balbiani en Vivo el Sábado, por A24. “Hoy fue Charly a hacerse unos estudios de rutina. La realidad es que siempre está resguardado por su mujer, Mecha, que lo acompaña a todos lados. Y, una vez que llegó al Instituto del Diagnóstico, decidieron dejarlo internado para hacer una cantidad de estudios. Y están a la espera de los resultados”, comenzó diciendo la periodista.

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La publicación de Charly García desde su casa

Y explicó: “La decisión fue adelantar los chequeos porque no lo encontraron en un buen estado. Si bien está fuera de peligro, decidieron que Charly se quedara para no moverlo demasiado y que no tenga que hacer demasiadas visitas al médico en los días que siguen. La realidad es que no están tranquilos hasta que no tengan los resultados. Una vez que los tengan, sabrán si se va a quedar a dormir o no en el sanatorio o si va a volver a su domicilio”.

A fines de junio, en el programa La cruel verdad de la misma señal, Esteban Trebucq había dado a conocer una alarmante versión acerca del estado de salud de García. “Hay mucha preocupación en el entorno de los músicos que lo quieren tanto a Charly (...). Los que lo han visto en los últimos días cuentan que casi no habla ni camina. Su entorno, que está muy preocupado por todo esto, trata de que muy poca gente se acerque”, comenzó contando.

Y siguió: “Lo visitaron y lo vieron algunos músicos muy conocidos, que no voy a nombrarlos. Una persona que lo quiere muchísimo me dice que, en estos días, su estado es muy parecido a lo de (Diego) Maradona... Esperemos que no tenga el mismo desenlace, por Dios”.

Sin embargo, personas allegadas al cantante le aseguraron a Teleshow que estas versiones no eran ciertas. “No pasó nada, nada de eso que dijeron es verdad”, señalaron. Y aseguraron no sufrió ningún nuevo achaque en su salud y que está “como siempre”, a la vez en que admitieron que su movilidad “es reducida” y que se maneja en silla de ruedas, tal como se vio en las últimas apariciones públicas del ídolo. Una de esas fue el pasado 22 de octubre de 2022, cuando el músico festejó su último cumpleaños en un bar de Palermo.

Es sabido que desde hace algunos años, García sale poco de su departamento y que pasa mucho tiempo en su habitación realizando al menos dos de sus actividades favoritas: haciendo música y mirando películas. Hace un par de meses, su mujer Mecha Iñigo publicó en sus Instagram Stories una foto del artista. “Charly viendo Blondi de Dolores Fonzi”, escribió en referencia a la ópera prima de la actriz. Por su parte, Rosario Ortega había llevado tranquilidad a los fans publicando: “Charly está tranquilo, mirando una peli, nada cambio en estos días”.

En ese sentido, el artista adelantó que “hay canciones nuevas no sólo para los Marsupiales, que van a sacar algunos más, pero también para los Fundamentalistas y para ‘El cantante tímido'”, en referencia al seudónimo bajo el que publica canciones en redes y en formato solista: “Lo empecé bromeando pero resulta que hay mucha gente que reclama que presente más temas, así que vamos a hacer canciones para todos”, agregó.

Como es usual en sus últimas apariciones con la prensa, el Indio no evadió cuestiones de la política, en esta ocasión sobre la relación entre el activismo y el arte: “El artista se tiene que manifestar a través de su obra, y en el estilo está su exposición artística a la sociedad. Cuando el artista milita transforma su obra en panfleto, y eso no es rico para nadie. No debe militar, porque inmediatamente tiñe su obra de algo”, consideró.

“Pero independientemente de que no milite una ideología formal, el artista tiene que ponerse de pie y decir ‘yo estoy hablando desde aquí’. Coincido con los movimientos populares, con todo lo que es el socialismo hasta la izquierda, la izquierda peronista y el peronismo, todo lo que no se trata de tiranías masónicas. Es mi atención la gente que está viviendo mal, los deposeidos, los desangelados”, siguió el exlíder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

Además, el Indio compartió su lectura del escenario político y del alza de figuras de ultraderecha: “La culpa no la tiene el chancho sino el que le da de comer. El contrincante es una locura, un disparate fascista para esta época, y hay gente que se deja llevar por esas ideas, por ese estilo de vida, de robar y negarlo y trasladarle los problemas al que está en la opinión opuesta”, reflexionó.

“No estamos todos locos, algunos sí, pero no damos cuenta de cómo la gente es tan ingenua. Son muy dañinos, la derecha está avanzando en todo el mundo, no tienen doctrina, son bucaneros, y están pendientes de qué es lo que pueden hacer para poder llevarse miles de millones de dólares, que más de una vez han desaparecido y no se sabe dónde están”, sostuvo.

Solari -que está alejado de los escenarios desde 2016, cuando reveló que padece Mal de Parkinson- también tocó puntos como la política de consumo de estupefacientes, los reclamos salariales de las cocineras comunitarias y hasta los movimientos conservacionistas, y se tomó unos minutos para delinear un mensaje dirigido a las juventudes.

Indio Solari anunció su retiro oficial de la música: “el Parkinson va progresando”

“No sirvo mucho para aconsejar, tengo los mismos defectos y me equivoco como cualquiera en el llano, no tiene mucho sentido que yo aconseje sobre cosas que no domino. Creo que en los jóvenes hay más información en sus nervios sobre el futuro, que en un tipo de mi edad. Yo confío en la juventud, es heroica, tiene fortaleza y es virtuosa, que es lo que yo estoy señalando desde hace un tiempo, y en mis últimas canciones hablo de eso”, comenzó.

“Lo único que les digo es que traten de entender cuando se cruzan con una personalidad, un político, un artista o lo que fuere, que tiene como bandera la honestidad y alguna que otra virtud aprendida para tener una elegancia del espíritu, y poder verse en el espejo todos los días y dormir tranquilo, y que uno esté preocupado por las cosas por las que vale la pena preocuparse”, continuó el músico.

Por eso, advirtió que las nuevas generaciones “tienen una tarea muy grande, porque no hay recursos para hacer una vida digna”: “Si vos tenés un taxista que tiene el culo 12 horas arriba del taxi para que le rinda, ¿quién va a pretender que cuando pare a comprarse un pancho de almuerzo lea a Foucaut? Hay una deuda cultural que hace que la gente sea muy inocente, y estos son tipos que están preparados todos en las mismas academias de Estados Unidos, que piensan igual que Cavallo y Martínez de Hoz, en el neoliberalismo, que promete el derrame de la riqueza y la buenaventura”.

“No creo en eso, les diría que traten de sondear cuando alguien levanta la cabeza por sobre los demás, si tiene una capacidad honesta para liderar, para cumplir algún tipo de misión. Todo el mundo sabe qué es ser honesto, compasivo. Ojalá en algún momento pudiéramos lograr una ciudadanía así, y que los poderosos entiendan que hay que vivir y dejar vivir”, concluyó Solari.

El rosarino celebra seis décadas en un momento de plenitud. Gira ambiciosa, el repaso por sus memorias y el amor después de tantos amores

“Nací en el ‘63. Con Kennedy a la cabeza”. Como si tuviera claro lo que iba a pasar en las próximas cuatro décadas, Fito Páez abría su primer disco solista con una canción expresamente autobiográfica, un informe breve y conciso de sus hasta entonces “casi veinte años de historia”. En una lírica urgente y al mismo tiempo profunda, repasa hitos generacionales como la guerra de Vietnam, el alunizaje televisado y el asesinato de John Lennon, entrecruzados con la Argentina de las dictaduras y los esbozos de sus primeras travesuras adolescentes.

Con esta carta de presentación Páez estaba sentando también las bases de su producción musical y las piedras fundamentales de su obra. Esa autorreferencialidad a flor de piel, un diario íntimo de libre acceso, la épica musical con el pulso justo para conmover, una amalgama inquietante entre la academia y la calle constituyeron un artista vigente, vanguardista, nostálgico, indescifrable, esencial.

El tierno posteo de Fito Páez a Lali Espósito tras el homenaje en Vélez

El álbum Del 63 se publicó en 1984 y para ese entonces Fito ya se había hecho un nombre en la escena de la música, en plena efervescencia democrática. Juan Carlos Baglietto capitaneaba la avanzada rosarina y el flaco de rulos y anteojos sostenía desde sus teclados y con sus canciones parte de ese engranaje, cruza de rock, folklore y música popular, con estirpe juglaresca que convocaba multitudes. No tardó en brillar con luz propia, con aquel primer disco como trampolín. De tocar con uno de sus ídolos, Charly García, a registrar un disco doble con otro, Luis Alberto Spinetta. De hacer catarsis de las tragedias más grandes -la muerte de su madre de cáncer cuando era un bebé de meses, el salvaje asesinato de sus tías en la ciudad de pobres corazones- a ofrecer su propio corazón en forma de canciones.

Aquel joven clase 63 hoy se encuentra en plena vigencia. Activo, inquieto, prolífico, siempre interesante. Ganador en los premios Grammy gracias a su trabajo Los años salvajes y paseando por el mundo El amor después del amor, su obra máxima, adornándola con algunas de las mejores canciones de su cosecha.

Pocos artistas le brindaron el cuerpo a su obra como Fito Páez, quien puso las canciones en los walkman y en las playlist y abrió su intimidad para que se pudiera reflejar una generación. Esta cuestión autorreferencial y desgarrada tiene su cenit en El amor después del amor, su trabajo publicado en 1992 y que partió en dos su carrera. El álbum que lleva casi como subtítulo aquello de ser el disco más vendido del rock nacional, pero que es mucho más que eso. El que alberga invitados como Mercedes Sosa, Charly García o Luis Alberto Spinetta. El que significó su ascenso definitivo al olimpo de la música popular argentina. El de melodías imbatibles, letras certeras y canciones eternas como “La rueda mágica”, “Un vestido y un amor”, “Tumbas de la gloria” o “Brillante sobre el mic”. El que decidió homenajear 30 años después, para que los hijos de sus fans puedan aproximarse a la magnitud del fenómeno.

La escena puede suceder en Buenos Aires, Rosario, Los Ángeles o Madrid. Al frente de una banda impecable, Fito Páez dirige un coro de miles de gargantas y es un instante en el que el tiempo se congela. Es iniciático y nostálgico, introspectivo y comunitario. Las canciones suenan de memoria y en orden, viscerales, como una ráfaga de diapositivas de esas películas que vimos mil veces y aun así encontramos resquicio para la emoción. El rosarino lo hizo durante 23 noches, a lleno total y a corazón abierto en la primera etapa el tour El amor 30 años después del amor, que prepara para coronar con dos funciones en el estadio de Vélez, así como ocurrió aquella vez.

Más allá de datos socio culturales que acerquen una explicación a la magnitud de las más de 1.2 millones de copias vendidas –primeros años de la convertibilidad, plena explosión del formato Compact Disc, masificación definitiva y apta para todo público del rock argentino-, el álbum se sostuvo a lo largo del tiempo por el peso de sus canciones y por una variable emocional intangible a cualquier mercadotecnia. Porque por fuera de lo que prestidigite la industria, ordene la academia o impongan las modas, las emociones sostienen en su espíritu rebelde y espontáneo su propio esquema de prioridades.

Después de pintar las aldeas marginales en Tercer Mundo y antes de meterse con el relato de su patria chica con Circo Beat, Páez pergeñó este álbum tan crudamente personal que nos interpeló a fondo. La historia del nudo central es remanida porque él se encargó de que así fuera –su separación de Fabiana Cantilo, su incipiente relación con Cecilia Roth- pero va mucho más allá. El cine, la infancia, la muerte, los amigos, los libros, los demonios, configuran un Páez auténtico que 30 años después creyó necesario visitar.

Esta nueva reinvención de su obra magna continuó durante el primer semestre de 2023, con pasaje por los festivales de Viña del Mar y Cosquín Rock y después de Vélez seguirá camino por el mundo. Es una invitación formal y explícita a viajar a aquellos años de escampe después de la tormenta. A volver a escuchar en vivo y en directo ese compact que descansa en las bateas de los coleccionistas, o que se perdió en alguna mudanza, o que fue abiertamente despreciado por la era del formato comprimido. A demostrar que nadie podrá con esas canciones que sabemos todos, que cantamos hasta el hartazgo, pero que ignorábamos cuánto podían emocionarnos y resignificarnos treinta años después.

En cada cita, el escenario devolvió a un Páez en estado de gracia, a una banda fresca y potente, a una escenografía post apocalíptica, a las 14 canciones en el mismo orden que en el álbum y a un bonus track de grandes éxitos de diferentes momentos de su profusa cosecha. Un espectáculo integral que se terminaba de configurar en lo que sentíamos cada uno de los espectadores al escuchar aquellas canciones. Y al darnos cuenta de que lo que íbamos a buscar era una vuelta por aquel pasado de infancia, adolescencia o juventud y en cada grito de garganta enrojecida dejábamos ir un pedacito de nuestras vidas. Ver a Fito Páez en cualquiera de estos conciertos es vernos a nosotros mismos a través del tiempo, una mirada caleidoscópica a los amores y a las andadas, porque todos nos fuimos de casa, atesoramos recuerdos inolvidables y nos encontramos sin saber que nos buscábamos. Fue creer que el amor después de los amores sigue siendo posible.

Pero la felicidad es total solo si es compartida y los conciertos de Páez mostraron un ensamble familiar espontáneo y multitarget conectado por un puñado de canciones, guiado por un maestro de ceremonias de trajes de colores y mil mohines. Y cuando los sonidos urbanos parecen marcar un quiebre definitivo entre las generaciones, acaso la más fuerte desde la irrupción del rock and roll allá por los años 50, el capitán nos avisó que en su arca mágica había lugar para todos. Como ocurrió en aquel Vélez de 1993, muchos chicos y chicas tuvieron uno de Fito como el primer concierto de sus vidas. Y esa es una marca que permanece inalterable a lo largo del tiempo.

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Mientras alista los trajes para salir una vez más a la carretera, Fito celebra sus 60 como vivió su vida. Con un catálogo que le permitiría descansar en su colchón de grandes éxitos, visitar álbumes propios o bucear en catálogos ajenos, grabar con quienes quisiera y de hecho lo hace. Pero además, trabaja en los siguientes tomos de su autobiografía, los que seguirán a Infancia y juventud, y viene de ganar el Grammy Latino por Los años salvajes, el disco potente, visceral y ambicioso que abre la trilogía conceptual que continuaron dos trabajos tan distintos entre sí, pero que son tan Páez uno como el otro: The Golden Light, de piano solo y Futurología Arlt, una ópera rock basada en Los Siete Locos.

El capitán Fito cambia de década con el atrás como base sólida, pero siempre atento a lo que ocurre a los costados y la mirada fija hacia adelante, con el arte como bandera y condición inclaudicable. Los sonidos que lo cautivaron en la infancia, entre el tango de Ástor Piazzolla y la música de grillos del Paraná, que entró en combustión con el rock cuando vio a Charly García al frente de La Máquina de Hacer Pájaros, y al que le aportó unas cuantas piezas de su autoría. Y así transita sus 60, enamorado de su compañera Eugenia, padrazo de Martín y Margarita, viajando de escenario en escenario girando la rueda de nuestras vidas.

Esta fecha tiene como fin resignificar la relevancia cultural producida por los músicos nacionales

Hoy, lunes 23 de enero se celebra el Día Nacional del Músico en la Argentina. Esta conmemoración se realiza desde 2015 y es muy festejada entre los ciudadanos. Conocé el motivo de la festividad, por qué se eligió la fecha y cuál fue su origen.

El Día Nacional del Músico fue establecido en 2015 y se festeja todos los 23 de enero tras la sanción de la Ley 27.106. La fecha fue elegida en homenaje al nacimiento del gran intérprete y cantautor argentino Luis Alberto Spinetta.

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Esta conmemoración fue impulsada por el INAMU (Instituto Nacional de la Música) y tiene como fin resignificar la relevancia cultural producida por los músicos nacionales. Por eso mismo, recuerda a una de las glorias del rock que se ganó el cariño de todos.

A su vez, cabe señalar que esta iniciativa se puso en marcha luego de la muerte de Spinetta, el 8 febrero de 2012. El reconocido cantautor brilló en Almendra y modificó para siempre la cultura popular con un estilo poético y una intencionalidad musical única.

El músico rosarino recorrió junto a su banda las canciones de su séptimo disco en el Anfiteatro, ante miles de personas

Fueron dos horas de concierto en las que sonaron las 14 canciones que integran la placa editada en 1992 (en una primera parte) y otras siete (en la segunda) en un arco que fue de 1986 hasta casi el comienzo de nuevo milenio. No importaba cuántas veces habías visto a Fito o si era la primera vez: las miles de voces se unieron para acompañar la celebración de un gran artista y su obra.

Rosario, no soy nada sin vos!Amo cada partícula de tu existencia. Gracias x ser mi casa eterna!Nunca me sentí tan en casa como en esta vuelta con estos tres conciertos muy difíciles de olvidar!Lo mejor, siempre!!!!Viva la música! Amor y felicidad para los corazones! pic.twitter.com/fyMgyB8OBa

— Fito Paez (@FitoPaezMusica) December 12, 2022

El show comenzaba a las 20 con la presentación de Coki Debernardi. El también músico rosarino estuvo acompañado por Barfeye y Ricardo Vilaseca, “la banda del amor antes del amor”. Para el cierre de su set, el guitarrista, cantante y compositor volvería al escenario para ser reconocido por Páez como “un amigo” y “un músico al que admiro”.

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A las 21.20, La rueda mágica volvió a girar 30 años después con una intro instrumental que se fundió en el inicio de “El amor después del amor”, tema que abre el álbum homónimo.

Un Páez en off comenzó a cantar mientras el resto de los músicos tomaba su lugar: Juan Absatz (teclados), Diego Olivero (bajo), Carlos Vandera y Juani Agüero (guitarras), Gastón Baremberg (batería), Emme (coros), Alejo von der Pahlen (saxo alto y barítono), Manu Calvo (trombón) y Ervin Stutz (trompeta).

“Es una noche de luna llena. Esto va a salir bien”, anticipó Fito en la primera de sus tres presentaciones, mientras se ajustaban los niveles de las voces y él ocupaba el centro con su piano. Lo que siguió fue el repaso del disco canción a canción.

“Dos días en la vida”, “La Verónica”, “Tráfico por Katmandú”, “Pétalo de sal” –en una versión homenaje con mención incluida a Luis Alberto Spinetta y “Sasha, Sissí y el círculo de baba” –en clave soul, con las intervenciones de Von der Pahlen y Agüero–,  “Un vestido y amor” –a dos pianos, con trompeta y trombón– y “Tumbas de la gloria”.

La pantalla de alta resolución que iba de un extremo a otro del escenario operó, salvo en algunos casos en los que las animaciones jugaron su parte en el guion del show (como en “Ciudad de pobres corazones”) por contraste: se tiño de rojo, azul, verde, celeste y sobre ese fondo se recortaban las figuras de los músicos (una suerte de guiño al afiche de Vértigo (1959) o al primer James Bond).

Los celulares encendidos, en el ya ritual que acompaña a “Brillante sobre el mic”, tapizaron las gradas del Humberto de Nito que por algo más de cuatro minutos. Un mar de fueguitos.

Al pedido de “quiero ver los trapos” se mostraron banderas de Uruguay, Argentina y Brasil, las remeras comenzaron su danza en el aire y hasta Páez con el saco hizo su parte. “A rodar mi vida” marcaba pasadas las 22.30 el fin de la primera etapa.

Tras un receso de diez minutos cronometrado, la banda retornó para tocar por primera vez en la gira el “Tema de Piluso”. La épica “Al lado de camino” fue seguida por “11 y 6” –envuelta ya desde hace tiempo en una atmósfera pop– y “Circo beat”.

“No tengo que tolerar nada. El que (dice que) tolera es un fascista”, advirtió Fito para luego “poner en juego” su “fama de tirano”: “Vamos a dividir en dos el Anfiteatro. Esto es un troyanos y espartanos”. De un lado quedó el coro de “circo beat” y del otro, el “uouo”.

Una intro marcial anticipó la cada vez más power funk “Ciudad de pobres corazones” y el “último tema” del concierto.

A las 23.20, los músicos regresaron para los dos bises del concierto. El primero fue “Dar es dar”, intervenido por frases de “Buena estrella” y “Peluca telefónica”. En esta última, Fito pareció buscar alguien que le recuordara la letra del tema compuesto por Charly García y Spinetta (+ Pedro Aznar) en la que se menciona a “Entel”, la ex Empresa Nacional de Comunicaciones privatizada dos años antes de la edición de El amor después del amor.

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¿A qué viene esto? Al punto en común (antes mencionado) que constituye eso que se llama “clásico”: una puesta artística que trasciende y pervive más allá de las subjetividades y del si “estuviste” en el Estadio Cubierto de Newell’s el 4 de octubre de 1992 para la presentación de El amor después del amor o en la cancha de Rosario Central en abril de 1993, con La rueda mágica devenida a una gira a escala para el que luego sería “el disco más vendido” del rock argentino.

“Hoy me emocioné fuerte! Gracias x tanto, tanto amor gente hermosa de mi ciudad! Viva Rosario!”, tuiteó Fito una vez finalizado el primero de los tres recitales en la ciudad. Los tres Shows de Paez se desplegaron con localidades agotadas.

A 40 años de su determinante irrupción en la escena del rock argentino, Virus se reunirá una vez más para ofrecer un show en marzo del año próximo en el Luna Park y luego emprender una gira mundial con paradas en España, Estados Unidos y México, entre otros países.

Con los hermanos Julio y Marcelo Moura, y el baterista Mario Serra a la cabeza, la histórica banda presentará el 31 de marzo de 2023 su show “Virus: La despedida” en el Luna Park, antes de sus visitas a Chile, Uruguay, Bolivia, Perú, México, Estados Unidos y España.

Esto ocurrirá luego de completar el tour 2022, que el próximo sábado 24 de septiembre convertirá al grupo en uno de los grandes animadores del Festival Primaveral Bonaerense en el Estadio Único de La Plata, el 1 de octubre lo llevará a Mood Live en Neuquén, el 11 a La Sala de las Artes de Rosario, al día siguiente a Tribus en la Ciudad de Santa Fe y en diciembre a Córdoba.

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La celebración en el Luna Park, en tanto, promete una gran cantidad de invitados especiales y, por supuesto, un homenaje a Federico Moura, el recordado líder del grupo fallecido en diciembre de 1988.

Actualmente, completan la formación Ariel Naón en bajo, Patricio Fontana en teclados y Agustín Ferro en guitarras.

La actividad de Virus en las últimas dos décadas tuvo un andar irregular pero nunca se hizo mención a una separación formal, por lo que no sorprendieron los largos silencios del grupo ni sus regresos.

Uno de los retornos más resonantes se produjo en el marco del último Quilmes Rock, realizado el 30 de abril y 1 de mayo en Tecnópolis.

Virus fue un puntal en la renovación del rock argentino de los `80 con su moderna propuesta inspirada en la new wave, algo que se reflejó en su música pero también en su aspecto de pelos cortos y camperas de cuero, algo poco visto en la escena hasta entonces.

Raúl Porchetto, Charly García, Fito Páez y Los Violadores, entre otros, hicieron referencia al conflicto bélico que nos tocó más de cerca y del que hoy se cumplen 40 años de su inicio

Raúl Porchetto sea quizás el artista argentino que más cantó sobre la Guerra de Malvinas e hizo pedidos constantes por la paz. Hoy, a 40 años del inicio del conflicto armado, acaba de lanzar “Ayer, hoy y siempre”, un sentido homenaje a los que dieron su vida entre abril y junio de 1982.

“Ayer, hoy y siempre” – Raúl Porchetto

Su pieza “Reina Madre” es probablemente el tema que describió como ningún otro la guerra. “Me sentaba y tocaba una melodía que no tenía letra y era un desahogo. Y un día, escuchando los comunicados, me puse en el piano con esa melodía tocando y de golpe sentí que quería escribir algo y empecé, como si alguien me la dictara”, contó a este medio el compositor hace un par de años.

“La letra no llevó más que el tiempo de lo que podría llevar como si alguien me la hubiera dictado. En un momento, creo que solo taché una palabra. Sé que cuando llegué al momento que dice: ‘Madre, ¿qué está pasando aquí?’, yo mismo dije: ‘¿Qué estoy escribiendo? ¿Dónde quiero ir?’. Porque era casi como un acto no consciente. Por suerte dejé fluir y no frené. Recién cuando terminé todo y lo canté, le encontré el sentido”, recordó.

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Su canción “Algo de Paz”, si bien es anterior al conflicto, también se transformó en un himno para la época.

“Reina Madre” – Raúl Porchetto

Además de Porchetto, hubo otros músicos de rock argentinos que pusieron el foco en la disputa bélica, como Los Violadores y Charly García, por ejemplo.

En “Comunicado #166″, la banda liderada por Pil Trafa hizo referencia al texto del Estado Mayor Conjunto que dio cuenta de la rendición argentina. “La gran batalla ha terminado, el pueblo convocado a la plaza ha llegado. Quiere saber la situación, pero ese día al balcón nadie se asomó. El borracho se cagó”, decía la canción. Lo de “borracho” era una referencia a Leopoldo Fortunato Galtieri, el dictador que dirigía los destinos del país en ese momento.

“Comunicado #166” – Los Violadores

Por su parte, el ex Serú Girán compuso “No bombardeen Buenos Aires”, tema que ironizaba sobre un posible ataque británico sobre la capital argentina y que presentó en vivo en un histórico recital en el estadio de Ferro en diciembre de 1982, apenas seis meses después del fin de la contienda.

“Los ghurkas siguen avanzando, los viejos siguen en TV. Los jefes de los chicos toman whisky con los ricos mientras los obreros hacen masa en la Plaza como aquella vez…”. Cómo decir tanto en unas pocas líneas: aparece el whisky -en alusión a Galtieri- y también menciona a las masas en la Plaza de Mayo, reunidas como en 1945.

“No bombardeen Buenos Aires” – Charly García

En “2 de Abril”, Ataque 77 se pone en la piel de un ex combatiente y dice: “Nada me dejó la patria, me fui quedando a un lado, estoy harto de vivir para sobrevivir. Usted ahora me pregunta: ¿De qué me estoy quejando? Y yo, ¿qué puedo decir? Soy del 2 de abril”; mientras que Virus, en “El Banquete”, expresa: “Han sacrificado jóvenes terneros para preparar una cena oficial. Se ha autorizado un montón de dinero pero prometen un menú magistral”.

“2 de Abril” – Ataque 77

“El Banquete” – Virus

Guerra de Malvinas, a 40 años del conflicto bélico

Fito Páez también escribió sobre la guerra. Fue en su tema “La canción del soldado y Rosita Pazos” donde el rosarino -que grabó un videoclip personalizando a un soldado- narró con crudeza lo que vive una persona tras la experiencia de una guerra. “No siento amor, no siento nada. Quiero dormir en una cama. Que no me hablen, que no me expliquen. Que no me miren, no me supliquen”, manifiesta el autor.

“La canción del soldado y Rosita Pazos” – Fito Páez

En “Héroes de Malvinas”, Andrés Ciro también describe con rigor lo que los soldados argentinos vivieron en las islas. “De Corrientes, Buenos Aires y del Chaco; desde Córdoba, Mendoza, de La Pampa; desde todas las provincias argentinas los llevaron para hacer una patriada. Y coraje fue lo que ellos demostraron; frente a uno, dos, tres, cuatro enemigos; los ingleses que venían preparados; frío, hambre y a los jefes argentinos”, señala el ex Piojos en una parte de la canción.

“Héroes de Malvinas” – Ciro y Los Persas

Rata Blanca, en “Gente del sur”, es otra banda que rinde tributo a los jóvenes que fueron enviados a luchar contra los británicos. “No sé muy bien cuál fue la gloria en esa guerra del sur. Hoy puedo ver miles de cruces en estas islas que Dios nos dio a todos los hombres. En soledad hoy los recuerdo, gente valiente del sur”, canta Adrián Barilari.

“Gente del sur” – Rata Blanca

Por último, en “El visitante”, Ricardo Iorio y Almafuerte le dicen a los que fueron a la guerra: “Fui elegido para cantarte por quienes quieren olvido prestarte. Grave pesado más no inconsciente, yo te lo mando ex combatiente”.

El sábado 23 de octubre Carlos Alberto García Moreno, conocido popularmente como Charly García, cumple 70 años. Figura indiscutida del rock nacional, es considerado uno de los mejores músicos de la historia. Y como todo estrella, su vida se vio envuelta entre luces y sombras, ya que más allá de su talento descomunal como músico y compositor, su vida lejos de los escenarios fue controversial.

Realizarán un homenaje a Charly García por sus 70 años

Nació en una familia de clase alta de Caballito y a muy temprana edad demostró ser un prodigio musical. A los dos años aprendió a tocar una citarina “de oído” y al poco tiempo descubrió el piano, un instrumento que lo acompañó a lo largo de su vida. Lejos de desanimarlo, sus padres -Carmen Moreno y Carlos Jaime García Lange- lo incentivaron para que explotara sus habilidades, que acompañadas por su oído absoluto lo hacían resaltar entre sus pares.

Charly García recibió la primera dosis de la Sputnik V

La crisis económica que sufrió su familia hizo que su padre perdiera la mayor parte de sus propiedades y tuviera que salir a trabajar de profesor de Física y Matemática, mientras que su mamá inició su camino como productora del exitoso programa Folklorísimo, que la acercó a grandes artistas del género, como Mercedes Sosa, Eduardo Falú y Ariel Ramírez, a quienes siempre que podía les hablaba del talento de Charly.

Con mucha dedicación, en 1964 se recibió de profesor de piano, teoría y solfeo en el conservatorio Thibaud Piazzini. Y aunque durante gran parte de su vida había elegido la música clásica y se sentía alejado de lo popular, con la aparición de The Beatles, Rolling Stones, Bob Dylan y The Who, entre otros artistas, fue cambiando de parecer. A tal punto que terminó siendo una pieza fundamental del rock en la Argentina.

Su primera banda, The Walk Spanish, la formó durante su adolescencia. Y en la escuela secundaria conoció a Nito Mestre, quien también tenía una enorme vocación de artista, y junto crearon Sui Generis. Pero cuando empezaron a hacer sus primeras presentaciones, García fue convocado para hacer el servicio militar obligatorio y a pesar de que su madre quiso usar sus influencias para resguardarlo, logró evadir su deber por sus propios medios, ya que lo diagnosticaron como bipolar con personalidad esquizoide luego de hacerle una broma pesada a los oficiales.

A fines de la década del 60 Charly y Nito dieron el gran salto y cambiaron para siempre la historia del rock nacional. Se convirtieron en los artistas más importantes del momento y con temas como Canción para mi muerte, Rasguña las piedras, Bienvenidos al tren, Quizás, porque conquistaron al público joven no solo por sus melodías sino por el profundo contenido de sus letras. Pero en 1973 luego de no obtener el resultado esperado con Pequeñas anécdotas de instituciones, el tercer álbum de estudio, Charly decidió separarse. Y para hacerlo a lo grande, llenaron nada menos que dos estadios Luna Park, algo impensado para aquellos tiempos.

Siguió su camino con La máquina de hacer pájaros, una agrupación que formó con Carlos Cutaia, Gustavo Bazterrica, José Luis Fernández y Oscar Moro, pero tuvo tanta aceptación por el público, que veneraba a la dupla con Mestre, y además en este proyecto se encontraba con un material aún más innovador. Para colmo, el golpe militar del 76 llenó de miedos al artista. Motivos no le faltaban.

Finalmente en 1977 decidió dejar la banda y formar Serú Girán, con David Lebón -con quien escribía la mayoría de las letras-, Pedro Aznar y Oscar Moro. Al principio no fue fácil que el público le diera el visto nuevo pero con La grasa de las capitales, el segundo disco de estudio, comenzó a cambiar su suerte. Para colmo, en el periodo más oscuro de la historia nacional, Charly se las ingeniaba para contar lo que estaba pasando a través de sus canciones, desafiando a la censura con perspicacia e inteligencia, como lo hizo con Canción de Alicia en el país. “Tener un enemigo me hizo ser inteligente, fue un desafío para pensar más y encontrar la forma de decir lo que quería decir”, explicó décadas más tarde.

En paralelo, su vida abajo de los escenarios era digna de un “rockstar”. Los excesos estaban a la orden del día y con el paso del tiempo comenzaron a interferir cada vez más en el vínculo con sus compañeros, que a su vez tenían otros proyectos. Así fue como en 1982 se cerró momentáneamente el capítulo de Serú Girán en su vida e inició su camino como solista. Años más tarde tendrían un reencuentro del que todos se arrepentirían, ya que a pesar de que se llevaban muy bien, era una etapa que habían cerrado.

Inquieto por naturaleza, fue probando nuevos sonidos y así desafió a quienes creían que con sus dos décadas en la industria musical habían escuchado todo lo que podía hacer. Ese mismo año hizo la banda sonora de la película Pubis Angelical y la publicó en un álbum doble con Yendo de la cama al living, material que presentó en el estadio de Ferro el 26 de diciembre en un recital que quedó para la historia.

Al año siguiente quiso probar suerte en Estados Unidos, donde de la mano de los avances tecnológicos que todavía no habían llegado a la Argentina descubrió un nuevo mundo que plasmó en Clics Modernos, disco al que le siguieron Piano bar (1984), Parte de la religión (1987), Cómo conseguir chicas (1989) y Filosofía barata y zapatos de goma (1990).  

Pero en la década de los 90 sus adicciones comenzaron a jugarle una mala pasada. En esa época se vio al Charly más rebelde y fuera de sí, algo que lo volvía tan magnético como repelente. Y a pesar de las decenas de escándalos que protagonizó, siguió enfocado en hacer lo que mejor sabía: tocar y componer. No paró de dar shows, pero los estragos que cometió durante la mayor parte de su vida comenzaron a tener consecuencias graves en los años 2000, año en el que quiso coquetear con la muerte tirándose de un noveno piso de un hotel de Mendoza hacia una pileta. “¡Solo la vi, y me atreví! Hay que ir más allá, además yo no me voy a morir nunca y mi capricho es ley”, manifestó cuando le cuestionaron su peligrosa maniobra. 

En 2008 luego de protagonizar un escándalo al destrozar el interior de un hotel mendocino en el que se estaba hospedando, fue internado en el Policlínico de Cuyo, donde le diagnosticaron una neumonía, y quedó claro que era el momento de actuar y hacer algo para mejorar la salud del ídolo antes de que el cuadro empeorara aún más. Ahí apareció Palito Ortega, como un ángel de la guarda, y lo invitó a vivir a su quinta para que se desintoxicara y pudiera enfocarse sanamente en sus pasiones. Y como el ave fénix resurgió de sus cenizas.

Desde entonces, el hombre que supo ser el más rebelde y polémico adoptó una actitud completamente distinta, más apegada a su costado sensible, perfeccionista y calmo. El ídolo podría haber “perdido su gracia” al mostrarse domado, pero a 70 años de su nacimiento y con tanto camino recorrido, una multitud agradece poder homenajearlo en vida.