En el Museo Guggenheim de Nueva York, un grupo de amigos protagonizó un curioso escena que rápidamente se hizo viral. Durante una visita, uno de ellos decidió sacarse una zapatilla y dejarla en la zona de exposiciones, convirtiéndola accidentalmente en el foco de atención.

Los demás visitantes, sin percatarse de la broma, comenzaron a fotografiar el calzado, creyendo que formaba parte de la muestra. La escena, registrada en video, generó risas y confusión.

Este inesperado suceso evidenció cómo a veces la percepción de lo que consideramos arte puede ser engañosa. El video fue subido por el usuario de TikTok smith_tok, y rápidamente se viralizó.

Juan Sánchez, quien alcanzó notoriedad en 2015 con su célebre frase "Me gusta el arte", ha vuelto a ser noticia después de una década alejado del mundo mediático. En una reciente conversación, el joven abordó su efímero instante de fama y compartió detalles sobre cómo ha manejado su vida desde entonces.

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La frase de Juan, que se volvió viral cuando él tenía apenas 12 años, por su singular manera de expresar su amor por el arte, provocó una avalancha de memes y chistes en redes sociales, convirtiéndolo en un fenómeno cultural. Sin embargo, según el propio Juan, la fama que experimentó no vino acompañada de los beneficios típicos que uno podría esperar. En sus propias palabras, "No sé, debo haber estado en el baño esos 15 minutos. Si fui famoso, no me di cuenta. En un momento, ser famoso iba a venir con más consecuencias porque todos los famosos tienen plata. ¡Yo no tengo plata! No sé si me consideraría famoso."

A pesar del impacto que su viralidad tuvo inicialmente, Juan continuó con su vida y se enfocó en su verdadero interés. En la actualidad, está inmerso en el estudio de la ilustración y ha desarrollado una profunda pasión por el dibujo. "Ahora que ya soy adulto, estoy estudiando ilustración. Mi objetivo es dedicarme al dibujo", comentó. Además, ha creado una cuenta de Instagram (@mrsanchezdibujos), en la que muestra sus trabajos más recientes, que incluyen personajes de rol, robots y automóviles.

Durante la entrevista, Juan subrayó que la fama que adquirió con su frase viral no define su identidad actual. "No creo que esa fama sea una parte significativa de mi vida. No soy la misma persona que antes, y es un poco incómodo que la gente siga viendo a alguien que ya no soy", manifestó.

El eco de su viralidad aún resuena en la cultura pop, y Juan recibió un mensaje especial de Liniers, el reconocido ilustrador argentino que en su momento respaldó su causa. "Creo que nadie en toda mi carrera me ha hecho mejor publicidad que este amigo. Porque hasta el día de hoy, la gente me dice ‘que le gusta el arte’. Así que, una vez más, Juan, gracias", expresó Liniers durante la entrevista.

A diez años de su breve momento de estrellato, Juan Sánchez ha demostrado que, aunque su fama fue efímera, encontró su verdadera vocación en el arte y sigue persiguiendo sus sueños con determinación.

Mirtha Legrand se mostró molesta por el retoque que le hicieron a su estatua creada el año pasado por un escultor y el artista salió a responder. Sin temblar, trató de "caprichosa e ignorante" a una de las figuras más importantes del espectáculo local.

"Lo que ella quería parecía ser un retoque, no hicimos más que algún retoque para cumplir con una idea de una persona un poco caprichosa", lanzó Daniel Melero, en diálogo con Re (FM 107.3), cuestionando las definiciones públicas de la diva.

"Si sabemos un poco del arte, sabemos que no tiene nada que ver con los gustos, si a uno le gusta o no una cosa. Una obra no pasa por ese lado, una obra es el reflejo del artista que la realiza, y yo creo que ahí termina la cuestión del tema".

"Hubo mucha ignorancia de parte de Mirtha", planteó el escultor, en primera persona, desacreditando los dichos de la conductora más importante de la tevé. "Y lo digo con todo respeto, sobre el tema de lo que es el arte...", agregó el artista.

"Después de eso, ya me pareció un tema de culminación en mi cabeza y decir 'no vamos a discutir ni entrar en ninguna polémica con una persona que no comprende cosas", dijo Melero en la nota radial.

"En este caso, sobre arte, un tema que tendría que ser, a esta altura del partido, un tema integrado dentro de la sociedad", cerró el hombre que retocó la estatua, que ya está instalada en el parque principal de la ciudad de Villa Cañás.

La primera reacción

Cuando vio el busto que le hicieron en Villa Cañás, Mirtha deslizó frente a todos sus invitados en su programa: "Voy a hablar de un llamado que recibí, porque se ha vuelto a reponer mi busto en Villa Cañás. Y es feo, a mí no me gusta. No quiero que esté en mi pueblo eso. En bronce, yo todo lo que he visto, no le hacen dientes, queda mal".

Y agregó, angustiada: "Me lo mandó el intendente, que es muy amable, y no me gusta, no me gusta que en mi pueblo esté así, yo no soy esa. Yo pienso que me voy a morir y lo van a dejar ahí".

Lo cierto es que el año pasado, la diva se había mostrado disconforme con su estatua y le pidió al intendente Norberto Gizzi que la rehiciera. La conductora de Telenoche (El Trece), Dominique Metzger, le preguntó a Legrand qué le había parecido, a lo que le respondió por WhatsApp: "Esa no soy yo".

Un nene hincha de Boca, un cuadro pintado, su reacción al verlo, la emoción de millones: en las últimas horas, un video se hizo viral en las redes sociales y le sacó más de una lágrima a quienes lo observaron del otro lado de la pantalla.

La historia que cuenta que hace algunas semanas, mientras su madre cursaba una enfermedad que le terminó causando la muerte, él pidió tener en su casa un cuadro con una imagen junto a ella en La Bombonera.

Mientras su padre lo filma, el chico camina hacia al cuadro y queda cara a cara con una obra de arte que lo acompañará durante toda su vida. Su emoción fue la de todos. La Bombonera regala momentos únicos e inolvidables.

𝐄𝐌𝐎𝐂𝐈𝐎𝐍𝐀𝐍𝐓𝐄🥺 Su mamá falleció y este pequeño hincha recibió un regalo muy especial: un cuadro que refleja uno de los momentos más lindos que vivió con ella en La Bombonera. pic.twitter.com/2a2ut1Zxrk

El detrás de escena de la obra que emocionó a todos

“Me encargaron esta pintura cuando la mamá de este pequeño estaba muy enferma y el pidió tener un cuadro con ella. Lamentablemente su mamá falleció antes de ver la obra terminada”, contó la artista Agostina Mauro.

Además, agregó: “El recuerdo de su mamá vivirá siempre en esta pintura y en su corazón, para que siempre la recuerde con una sonrisa”.

La Met Gala reúne a algunos de los artistas más famosos del mundo para desfilar con diversos trajes y vestidos de la alta costura en el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York. Se realiza cada primer lunes de mayo, con el fin de recolectar fondos para el Costume Institute del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York.

Esta vez el tema del evento más importante para la moda será "Bellas durmientes: el despertar de la moda" que abordará la sustenibilidad a través de un prisma muy particular. "Es básicamente una oda a la naturaleza", dice Andrew Bolton, curador en jefe del Costume Institute y principal responsable de esta idea.

Cuál es el dress code de la red carpet de la Met Gala

El dress code de la noche es Garden of time, el jardín del tiempo, una temática que invita a explorar la relación entre la moda y la sostenibilidad, fusionando la creatividad estética con la conciencia ambiental. Por eso, la naturaleza y las flores son protagonistas de esta alfombra roja. 

Anna Wintour by Loewe en la Met Gala. Foto: Instagram.Chris Hemsworth by Tom Ford en la Met Gala. Foto: Instagram.Emma Chamberlain by Jean Paul Gaultier en la Met Gala. Foto: Instagram.Alexandra Kopelman by Emilia Wickstead en la Met Gala. Foto: Instagram.Tyla by Balmain en la Met Gala. Foto: Instagram.Bad Bunny con un diseño de Maison Margiela hecho a la medida en la Met Gala. Foto: Instagram.Ashley Graham by Ludovic de Saint Sernin en la Met Gala. Foto: Instagram.Steven Yeun by Thom Browne en la Met Gala. Foto: Instagram.Jennifer Lopez con un diseños de Alta Costura de Schiaparelli en la Met Gala. Foto: Instagram.Jennifer Lopez con un diseños de Alta Costura de Schiaparelli en la Met Gala. Foto: Instagram.Jennifer Lopez con un diseños de Alta Costura de Schiaparelli en la Met Gala. Foto: Instagram.Zendaya by Maison Margiela Couture en la Met Gala. Foto: Instagram.

Lea Michele by Rodarte en la Met Gala. Foto: Instagram.

Jessica Serfaty Michel en la Met Gala. Foto: Instagram.Rebecca Ferguson con un diseño de Thom Browne en la Met Gala. Foto: Instagram.Matt Damon y su esposa argentina Luciana by Dior. Foto: Instagram.Alex Sharp by Balmain en la Met Gala. Foto: Instagram.Zoe Saldana by Chloé en la Met Gala. Foto: Instagram.

Mindy Kailing con un diseño de Gaurav Gupta en la Met Gala. Foto: Instagram.Jordan Roth con un diseño hecho a la medida de Valentino en la Met Gala. Foto: Instagram.Sarah Jessica Parker con un diseño de Richard Quinn en la Met Gala. Foto: Instagram.Sarah Jessica Parker con un diseño de Richard Quinn en la Met Gala. Foto: Instagram.

Omar Apollo by Loewe en la Met Gala. Foto: Instagram.Stray Kids by Tommy Hilfiger en la Met Gala. Foto: Instagram.Gigi Hadid by Thom Browne en la Met Gala. Foto: Instagram.Wisdom Kaye by Robert Wun en la Met Gala. Foto: Instagram.Eva Chen by Robert Wun en la Met Gala. Foto: Instagram.Nicholas Galitzine by Fendi en la Met Gala. Foto: Instagram.Rita Ora y Taika Waititi by Marni en la Met Gala. Foto: Instagram.Aya Nakamura by Balmain en la Met Gala. Foto: Instagram.Emily Ratajkowski by Versace en la Met Gala. Foto: Instagram.Greta Lee by Loewe en la Met Gala. Foto: Instagram.Dove Cameron y Damiano David by Diesel en la Met Gala. Foto: Instagram.Uma Thurman by Tory Burch en la Met Gala. Foto: Instagram.Hannah y Eddie Redamayne by Steve O Smith en la Met Gala. Foto: Instagram.Alexandra Daddario en la Met Gala. Foto: Instagram.Taylor Russell en la Met Gala. Foto: Instagram.Jessica Biel en la Met Gala. Foto: Instagram.Kris Jenner by Oscar de la Renta en la Met Gala. Foto: Instagram.Bruna Marquezine by Tory Burch en la Met Gala. Foto: Instagram.Demi Moore en la Met Gala. Foto: Instagram.Anok Yai by Swarovsky en la Met Gala. Foto: Instagram.Cynthia Erivo by Thom Browne en la Met Gala. Foto: Instagram.Ariana Grande by Loewe en la Met Gala. Foto: Instagram.Rauw Alejandro by Ludovic de Saint Sernin en la Met Gala. Foto: Instagram.Elle Fanning by Balmain en la Met Gala. Foto: Instagram.Amanda Seyfried by Prada en la Met Gala. Foto: Instagram.Kim Kardashian by Maison Margiela Couture en la Met Gala. Foto: Instagram.Rosalía by Christian Dior en la Met Gala. Foto: Instagram.Kendall Jenner by Givenchy en la Met Gala. Foto: Instagram.Donatella Versace junto a Jude Law y Andrew Scott. Foto: Instagram.Karol G en la Met Gala. Foto: Instagram.Da´Vine Joy Randolph by GAP en la Met Gala. Foto: Instagram.Naomi Watts by Balenciaga en la Met Gala. Foto: Instagram.Phoebe Dynevor by Victoria Beckham en la Met Gala. Foto: Instagram.Shakira by Carolina Herrera en la Met Gala. Foto: Instagram.Nicole Kidman by Balenciaga en la Met Gala. Foto: Instagram.Elizabeth Debicki by Christian Dior en la Met Gala. Foto: Instagram.Simone Ashley en la Met Gala. Foto: Instagram.Kylie Jenner en la Met Gala. Foto: Instagram.Doja Cat by Vetements en la Met Gala. Foto: Instagram.Dua Lipa by Marc Jacobs en la Met Gala. Foto: Instagram.Rachel Zegler en la Met Gala. Foto: Instagram.Lana del rey y Sean McGirr, director creativo de Alexander McQueen, en la Met Gala. Foto: Instagram.Naomi Campbell by Burberry en la Met Gala. Foto: Instagram.Pamela Anderson by Oscar de la Renta en la Met Gala. Foto: Instagram.Sidney Sweeney by Miu Miu en la Met Gala. Foto: Instagram.Cardi B en la Met Gala. Foto: Instagram.Sabrina Carpenter en la Met Gala. Foto: Instagram.Barry Keoghan en la Met Gala. Foto: Instagram.Amelia Gray by Undercover en la Met Gala. Foto: Instagram.Kaia Gerber by Prada en la Met Gala. Foto: Instagram.Gayle Rankin by Atelier Prabal Gurung en la Met Gala. Foto: Instagram.Karlie Kloss by Swarovski Gurung en la Met Gala. Foto: Instagram.Kerry Washington by Oscar de la Renta Gurung en la Met Gala. Foto: Instagram.El segundo look de Zendaya by Givenchy en la Met Gala. Foto: Instagram.Nicky Minaj by Marni en la Met Gala. Foto: Instagram.Laufey by Prabal Gurung en la Met Gala. Foto: Instagram.Brie Larson by Prada en la Met Gala. Foto: Instagram.Camila Morrone by Chanel en la Met Gala. Foto: Instagram.Camila Morrone by Chanel en la Met Gala. Foto: Instagram.Janelle Monáe by Vera Wang en la Met Gala. Foto: Instagram.Lewis Hamilton en la Met Gala. Foto: Instagram.Camila Cabello en la Met Gala. Foto: Instagram.Camila Mendes by Altuzarra en la Met Gala. Foto: Instagram.Taraji P. Henson by Simkhai en la Met Gala. Foto: Instagram.

Las ventas de arte en 2023 bajaron un 4% a nivel global hasta los 65.000 millones de dólares (59.000 millones de euros), con una pronunciada caída del 51% en la comercialización de los NFTs artísticos, según el estudio anual publicado este miércoles por Art Basel y el banco suizo UBS.

Altas tasas de interés, inflación e inestabilidad política contribuyeron a la contracción del mercado artístico global, analizó el estudio, subrayando que el descenso no sorprendió a los observadores tras dos años de fuertes ascensos durante la postpandemia.

“Aunque las ventas en el segmento de altos precios fueron menores, se mantuvo el nivel en las obras de medio y bajo precio”, analizó la economista Clare McAndrew, autora del informe, quien subrayó que en 2024 “se cambiará la óptica, desde un crecimiento a toda costa a la búsqueda de un crecimiento sostenible y rentable”.

Estados Unidos se mantuvo como el principal mercado del arte, con una cuota en el mercado global del 42%, pese a que las ventas en el país bajaron un 10% en 2023, hasta los 27.200 millones de dólares (24.800 millones de euros).

En segundo lugar se situó China, que beneficiada por la relajación de las estrictas medidas de prevención contra el covid, que aún mantenía en 2022, experimentó en 2023 un crecimiento del 9% en las ventas hasta los 12.200 millones de dólares (11.100 millones de euros), a medida que se abrían las principales ferias y exposiciones en ciudades como Hong Kong.

Reino Unido cayó del segundo lugar en 2022 al tercer puesto el año pasado, con un descenso del 8% en las ventas hasta los 10.900 millones de dólares (9.900 millones de euros).

Las ventas directas de comerciantes de arte bajaron un 3% interanual hasta los 36.100 millones de dólares (33.000 millones de euros), mientras que las logradas en subastas, que en 2022 habían alcanzado máximos históricos, descendieron en 2023 un 7%, hasta los 25.100 millones de dólares (22.900 millones de euros).

Estados Unidos, China y Reino Unido también lideraron en el sector de las subastas, concentrando entre los tres un 74% de las ventas bajo el martillo, destacó el estudio, que también indicó que un 53% de las ventas globales en pujas correspondieron a piezas de arte de postguerra y contemporáneo.

Frente a la tendencia descendente del año, las ventas de arte por internet aumentaron un 7% hasta los 11.800 millones de dólares (10.800 millones de euros).

Algo en lo que no se beneficiaron los NFTs artísticos, con una caída del 51% frente a 2022 para totalizar 1.200 millones de dólares (1.100 millones de euros), menos de la mitad del pico logrado en 2021 (2.900 millones de dólares o 2.600 millones de euros).

Pese a ello, el estudio subrayó que el sector de los NFTs (activos digitales encriptados que otorgan valor único a un bien digital) todavía suma ventas 60 veces mayores a las que ese mercado tenía en 2020.

El retrato de Diana de Gales que hizo Andy Warhol, de fondo azul al igual que los ojos y el anillo de zafiro de la difunta princesa, será subastado el 7 de marzo por la casa Phillips de Londres en una jornada dedicada al arte moderno y contemporáneo.

Para hacer este famoso retrato, Warhol se inspiró en la instantánea oficial que el fotógrafo Lord Snowdon -exmarido de la princesa Margarita, hermana de la reina Isabel II- le tomó a la princesa en 1981 tras su compromiso con el ahora rey Carlos III, por entonces príncipe de Gales y heredero al trono británico.

El artista estadounidense creó hasta tres diferentes ejemplos más: uno en rosa, otro en violeta y el tercero en verde.

Warhol (1928-1987) en aquel entonces experimentaba con sus serigrafías, y "en esta pintura también introduce algo de color para resaltar ciertos aspectos de la princesa Diana" como sus joyas o bordes de su vestido, explicó a EFE Rossana Vidén, experta en arte contemporáneo de la casa Phillips.

El cian prominente de su mirada, a juego con el zafiro de su mano de pedida, destaca el fondo que el célebre pintor eligió en esta ocasión.

Dada la capacidad de Warhol para captar sentimientos, como lo hizo con retratos a Marilyn Monroe o Jackie Kennedy, Vidén confesó que quizá el artista "se dio cuenta de que iba a ser un súper icono".

La experta dijo que tal vez Warhol "eligió el color azul porque, en la historia del arte, siempre se ha utilizado para representar a la Virgen María o retratados importantes."

"Quizá tuvo una corazonada, o definitivamente sabía en qué celebridad e icono se iba a convertir. Quizá por ello eligió retratarla en un momento tan temprano en su carrera”, agregó.

El retrato, con un precio de salida de 1,8 millones de libras (2,1 millones de euros) forma parte de una subasta de obras del siglo XX, de más de treinta títulos, entre ellos de Renoir y la sudí Alia Ahmad.

En Got Talent Argentina (Telefe) se presentó este martes Fernando Copioli, quien mostró nuevamente su arte sobre la arena e hizo llorar de emoción a todo el jurado.

El artista de 53 años hace dibujos con arena sobre una mesa iluminada, y en esta oportunidad hizo ilustraciones muy porteñas, acompañadas de la canción Mi Buenos Aires querido.

Al finalizar su show de arena y luces, el jurado le hizo una conmovedora devolución. "No sé si sos consciente de lo que generás con tu arte", le dijo Emir Abdul.

"Lo que más me gusta es que elijas contar historias de tu tierra. Me encantó lo que hiciste, gracias", expresó La Joaqui. Por su parte, Flor Peña expresó: "Tu arte era tan emocionante como se iba ligando a lo que somos como país. Hoy trajiste un pedazo de nuestra historia".

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Por último Abel Pintos destacó: "Mientras hacías tu presentación pensaba en el silencio de un templo y en el silencio de los museos. La fe es un asunto muy sensible, y en los museos hay mucha maestría"

Y agregó: "Entonces yo entiendo que cuando uno entra a un templo o a un museo normalmente habla muy bajito porque hay mucho silencio, silencio de la sensibilidad y de la maestría. Y vos sos un ser muy sensible, sos un maestro en lo que hacés, y generás eso. Durante tu presentación había un silencio de templo y cuando hablamos, hablamos bajito porque estamos delante de un maestro".

Leonardo Da Vinci fue pintor, inventor y anatomista, por nombrar sólo algunos de sus talentos, y ahora también se puede agregar que fue un químico innovador. Resulta que el artista experimentó con su famosa "Mona Lisa" más de lo que se pensaba, y probablemente fue el creador de una técnica que utilizaron obras creadas un siglo después, de acuerdo con un nuevo estudio.

Mediante el uso de difracción de rayos X y espectroscopía infrarroja, un equipo de científicos de Francia y Gran Bretaña detectó un raro compuesto mineral dentro de la icónica obra. El hallazgo proporciona una nueva visión de cómo se pintó el cuadro de principios del siglo XVI, según el estudio publicado recientemente en el Journal of the American Chemical Society.

Junto con el pigmento blanco de plomo y el aceite, se encontró un compuesto conocido como plumbonacrita, en la capa base de la pintura. Un estudio publicado en 2019 había identificado el mineral en varias obras de Rembrandt del siglo XVII, pero los investigadores no lo habían encontrado en obras del Renacimiento italiano hasta el nuevo análisis.

La plumbonacrita se forma cuando los óxidos de plomo se combinan con el aceite. Mezclar estas dos sustancias en una paleta es una técnica que artistas posteriores como Rembrandt utilizaron para ayudar a que la pintura se secara, según el estudio. La detección del raro compuesto en la "Mona Lisa" sugiere que Leonardo Da Vinci podría haber sido el precursor original de este enfoque, dijo Gilles Wallez, autor del estudio y profesor de la Universidad de la Sorbona en París, quien también fue coautor del informe de 2019.

"Todo lo que viene de Leonardo es muy interesante, porque él era un artista, por supuesto, pero también era un químico, un físico; tenía muchas ideas y era un experimentador… intentando mejorar el conocimiento de su tiempo", dijo Wallez.

"Cada vez que descubres algo sobre sus procesos, descubres que claramente estaba adelantado a su tiempo", dijo.

La "Mona Lisa", como muchas otras pinturas del siglo XVI, fue creada sobre un panel de madera que requería una capa base gruesa, dijo Wallez. Los investigadores creen que Da Vinci había hecho su mezcla de polvo de óxido de plomo con aceite de linaza para producir la gruesa capa de pintura necesaria para la primera capa, mientras, sin saberlo, creaba el raro compuesto.

Hoy en día, a los investigadores no se les permite tomar muestras de la obra, que se encuentra en el Louvre de París y está protegida detrás de un vidrio, explicó Wallez. Sin embargo, utilizando una micromuestra de 2007 que se tomó de un área justo detrás del marco, los científicos pudieron analizar la pintura utilizando una máquina de alta tecnología llamada sincrotrón. El acelerador de partículas permitió al equipo estudiar la composición de la muestra a nivel molecular.

"Estas muestras tienen un valor cultural muy alto", dijo Wallez. "No puedes permitirte el lujo de tomar grandes muestras de una pintura, por lo que un sincrotrón es la mejor manera de analizarlas".

Según el estudio, también se descubrió que la capa base del mural de Da Vinci "La última cena" tenía la misma composición química que la "Mona Lisa", aunque el mural estaba pintado en una pared. Los científicos tenían una gama mucho más amplia de muestras de "La última cena" para observar, 17 en total, que procedían de la pintura que se desconchaba de la pared con el tiempo, dijo Wallez.

La "Mona Lisa" y "La última cena" son dos de las menos de 20 pinturas conocidas que Da Vinci hizo durante su vida. Los investigadores esperan poder descubrir más sobre el artista y sus obras con el tiempo.

"Sabemos desde hace mucho tiempo que Leonardo era un experimentador empedernido", dijo William Wallace, distinguido profesor y catedrático de historia del arte y arquitectura en la Universidad de Washington en St. Louis.

"Por lo tanto, no sorprende que lo veamos experimentando con otros medios, especialmente dada su dedicada búsqueda de las mejores técnicas pictóricas (a menudo no tradicionales) para crear sus obras de arte 'vivas'", dijo Wallace, un experto en arte renacentista. y arquitectura que no participó en el estudio.

Un cuadro de Vincent van Gogh que había sido robado a golpe de martillo hace tres años y medio de un museo de los Países Bajos.

Fue recuperado por un detective neerlandés especializado en arte, al que la prensa europea ha bautizado como “el Indiana Jones del arte” por sus pesquisas tan minuciosas que han permitido encontrar antes obras robadas de Salvador Dalí y Pablo Picasso.

El detective Arthur Brand, tal el nombre del “héroe” de la operación, logró hallar esta obra que el artista pintó en 1884 y fue robada durante el confinamiento por pandemia del Museo Singer Laren. 

Según confirma la propia pinacoteca en un comunicado reproducido por varios medios, entre ellos The Guardian, donde además señala que la pintura “ha sufrido daños, pero, a primera vista, todavía está en buenas condiciones”.

El cuadro en cuestión se llama “Jardín de Primavera” (en neerlandés, Lentetuin, de pastorietuin te Nuenen in het voorjaaque) y representa el jardín de la casa parroquial de Nuenen, donde el artista residió a lo largo de dos años y donde concibió más de una cuarta parte de su obra, entre ella su primera obra maestra, “Los comedores de patatas”.

ROBO DE MADRUGADA EN EL MUSEO

El lienzo fue sustraído la madrugada del 30 de marzo de 2020, cuando el museo estaba cerrado de forma temporal por las restricciones contra el coronavirus. 

Un video de las cámaras de seguridad divulgado por la policía neerlandesa mostró el momento en el que el ladrón entró a la institución tras romper las puertas de cristal con un martillo y huyó minutos después con el cuadro, que había sido prestado por el Museo Groninger para una exposición temporal.

Desde entonces, la autoridades -junto a un equipo de forenses, detectives y expertos en arte robado- iniciaron una investigación criminal para tratar de localizar a los ladrones y recuperar la pintura, valorada entre tres y seis millones de euros (3,2 millones y 6,4 millones de dólares).

Sin embargo, quien logró avanzar en el asunto fue Brand y sostuvo que el cuadro terminó en manos de una organización criminal que quería usarlo como medio de negociación para reducir penas de prisión en caso de condena y el propio detective negoció con la organización, pero no pudo recuperar el cuadro de Van Gogh.

Por motivos que aún se desconocen, durante el pasado fin de semana, un hombre se citó con Brand en plena noche en Ámsterdam y le devolvió el cuadro, una operación que se realizó en total discreción. 

La identidad de la persona que entregó la pintura se mantiene en secreto y no sería responsable del robo sino un intermediario que actuó para facilitar la entrega.

En un video publicado por el detective se lo ve conmocionado cuando lo descubre, después de desenvolver el paquete en el salón de su casa.

“Confirmar que se trata del Van Gogh robado ha sido uno de los mayores momento de mi vida”, indicó el detective.

El cuadro está ahora en manos del Museo Groninger, cuyos empleados subrayan estar “muy contentos y aliviados de que la obra esté de vuelta”, dice Andreas Blühm, director de la pinacoteca, quien destacó que Brand, “jugó un papel clave en este caso y el museo lo valora mucho”.

El actor Pablo Alarcón sorprendió la semana pasada al presentarse haciendo una obra de teatro a la gorra en Plaza Francia y, al viralizarse los videos de su espectáculo, no dudó en explicar los motivos por los que había decidido recurrir al teatro callejero. Según detalló, a los 76 años y sin ficciones en televisión, no recibía propuestas laborales y no tenía manera de cubrir sus gastos.

“Primero, este es mi oficio. Segundo, soy un actor que está sin trabajo. Tercero, encontré un texto que es muy apropiado para el momento político y económico que está viviendo el país”, explicó Alarcón cuando le preguntaron sobre esta nueva forma que encontró para ofrecer su arte.

Apoyo Total ! Hoy Pablo Alarcón hizo función a la gorra y se llenó la plaza 👏 👏👏 pic.twitter.com/S65OaBfc1I

El popular actor consiguió tal repercusión que este fin de semana se juntaron cientos de personas para ver la obra que realiza frente a la Iglesia del Pilar y, de esta manera, manifestarle su apoyo, además de ofrecerle su ayuda económica. Entre el público presente, no faltaron los curiosos, la prensa y hasta algunos famosos que se acercaron a verlo.

“Discurso sobre la servidumbre voluntaria” es la obra que presenta Pablo Alarcón junto al músico Augusto Gavilán, los domingos de 15 a 17 horas en Plaza Francia, en la zona de Recoleta, en la Ciudad de Buenos Aires. La obra dura sólo 15 minutos y se repite varias veces durante las dos horas en las que permanecen en la plaza.

Durante la pandemia, Alarcón había apelado a una particular propuesta para sobrellevar la situación. El actor implementó el «teatro delivery», en el que acudía a domicilios para cocinar (otra de sus pasiones) y desplegar una obra teatral.

Cada 17 de julio se celebra el Día Internacional del Tatuaje, una efeméride que surgió inicialmente en Estados Unidos, siendo conocido como National Tatto Day, extendiendo posteriormente esta celebración a nivel internacional.

Se estima que los primeros tatuajes surgieron en el año 2160 a. de C, con hallazgos importantes en momias de la cultura egipcia. Se utilizaban agujas de oro para la aplicación de pigmentos de henna. Los tatuajes simbolizaban la prevención de peligros y enfermedades, con un significado mágico y de estatus o posición social.

En cambio, en Asia los tatuajes surgieron en el año 1000 a. de C., a través de las rutas comerciales de China, Japón y la India. En Japón, las mafias japonesas utilizaban los tatuajes para expresar lealtad y valentía.

En Norteamérica y América Central los tatuajes se asociaban con elementos mágicos y religiosos, para contrarrestar a la muerte y rendir tributo a dioses.

Ya para el siglo XX se comenzó a aplicar la técnica de micropigmentación, comenzando a utilizar los tatuajes como práctica médica y estética a partir de 1970, con tintas antialérgicas para la pigmentación de labios, cejas y párpados.

Algunos tipos de tatuajes más utilizados en la actualidad son los siguientes: 

Tatuaje: diversos tipos

En tanto, algunos datos curiosos sobre el mundo del tatuaje es que a finales del siglo XIX Thomas Alva Edison inventó la primera máquina de tatuar. Además, las tintas de los tatuajes cambian de color, de acuerdo al tono de la piel.

Algunos estudios señalan que las personas con tatuajes tienen mucha personalidad y son más extrovertidas, además, poseen un sistema inmunológico más fuerte.

En tanto, los diseños de tatuajes más solicitados son ángeles y corazones y el tatuaje más antiguo tiene unos de 3.000 años de antigüedad. Fue descubierto en el año 1991 en una momia congelada denominada Ötzi.

Existe una tinta "invisible", que solo puede verse al exponer el tatuaje a la luz ultravioleta. También los tatuajes son susceptibles a los rayos del sol. Es recomendable utilizar en la piel protectores solares. Se considera que tatuarse en pareja y tener un número de tatuajes par en la piel son de mala suerte.

El artista de Casilda Gabriel Griffa, conocido como “el muralista de la selección”, realizó la pintura en tributo al exitoso músico rosarino autor de “El amor después del amor”.

Fito Páez vive un 2023 soñado. No solo coronó la gira por los 30 años de “El amor después del amor” con la edición de la reversión de su álbum más exitoso, “EADDA9223”, sino que disfrutó el éxito del biopic de su vida que estrenó Netflix y logró un récord de descargas de sus canciones en Spotify.

Atrás quedaron los resquemores que habían generado en el gran público sus declaraciones políticas, sobre todo las que generaron gran polémica tras el triunfo de Mauricio Macri en la ciudad de Buenos Aires en 2011, y volvió a ser uno de los músicos más queridos del rock argentino.

Cecilia Roth lapidó a la serie de Fito Páez: “Parece escrita por una inteligencia artificial”

Su entusiasmo lo llevó a retomar su actividad cinematográfica. Este lunes anunció en las redes sociales que trabaja en la preproducción de dos películas, “La pasión según las mujeres” y “Novela”, que se sumarán a su filmografía que ya cuenta con “Vidas privadas” (2001) y “De quién es ese portaligas” (2007).

En paralelo, en Rosario el artista callejero Gabriel Griffa, conocido como “el muralista de la selección argentina”, inauguró este lunes una colorida pintura sobre uno de los muros del emblemático pasaje Poeta Fabricio Simeoni, centro de la noche bohemia rosarina en los años 80 y 90, que transitó Fito en su juventud.

“Esta vez me tocó homenajear a uno de los músicos con más trayectoria y sobresaliente de nuestro país. Y lo mejor que pude realizarlo en su ciudad”, escribió el artista oriundo de Casilda en el posteo en Instagram en el dio a conocer su nueva obra, y agregó.

Fabiana Cantilo volvió a hablar sobre la serie de Fito Páez: “no estoy enojada, se entendió todo mal”

“Gracias chicos/as de @ciudad_futura por confiar desde el primer momento en mi trabajo y sobre todo por la buena onda recibida”.

Futbolero de corazón, Griffa retrató, entre otros, a Ángel Di María, quien posteó el mural en su homenaje que realizó el joven casildense, y también a Lionel Messi, el capitán de la selección argentina, y a Franco Armani, de quien es amigo desde chico. Por supuesto, retrató a Lionel Scaloni, el DT del equipo campeón del mundo.

Una jueza de Barcelona imputó a tres humoristas de TV3 que hicieron una parodia de la Virgen del Rocío. El tema se torna un tanto controversial cuando el humor se judicializa y desde el Estado nos dicen de qué está permitido reirse y de qué no. . Aquí te mostramos el video 

En su ‘gag’ la actriz Judit Martín aparece vestida de la Virgen del Rocío con un muñeco en brazos representando al niño Jesús e imita el acento andaluz, mientras los otros dos presentadores ironizan sobre aspectos de la vida de la virgen.

Videos: fanáticos religiosos destrozaron obras de arte en la Universidad Nacional de Cuyo

Un juzgado de la provincia de Barcelona (España) decidió imputar este jueves a tres humoristas que parodiaron a la Virgen del Rocío, venerada en la aldea de El Rocío (comunidad autónoma de Andalucía), durante el programa ‘Està passant’ de la cadena TV 3.

La magistrada Miriam Luque Ruiz consideró que el ‘gag’ que salió al aire el 4 de abril con la actriz Judit Martín y dos presentadores de TV3, Toni Soler y Jair Domínguez, como protagonistas, puede constituir “un delito de injuria”. Asimismo, el juzgado resolvió abrir diligencias por el presunto crimen de escarnio a raíz de la denuncia presentada por la Fundación Española de Abogados Cristianos.

En la parodia Judit Martín aparecía vestida de la Virgen del Rocío con un muñeco en brazos que representaba al niño Jesús. La mujer imitaba el acento andaluz, mientras que los otros dos humoristas la ‘entrevistaban’ e ironizaban sobre aspectos de la vida de la virgen y las costumbres de El Rocío.

“¡Llevo 200 años sin poder echar un polvo como Dios manda!“, dijo Martín antes de flirtear con Domínguez.

La sátira causó revuelo en las redes y hasta provocó críticas por parte de representantes oficiales. Así, el presidente de la Junta de Andalucía, Juan Manuel Moreno, denunció que era una falta de respeto para su comunidad. “El humor es una de las señas de identidad de nuestra tierra, pero para tener gracia se hace con respeto y cariño. Es una falta de respeto a Andalucía, y a miles de andaluces y sus tradicionales. Espero que para pedir perdón sepan hacerlo mejor”, tuiteó.

“Puedes esperar sentado”, respondió a Moreno el propio Toni Soler. Durante otra emisión del programa el presentador le exigió disculpas al político e indicó que no buscaban “menospreciar a los andaluces”, detalla El Periódico.

Por su parte, la Fundación Española de Abogados Cristianos argumentó en su reclamo que la sátira es un “ataque contra los sentimientos religiosos realizado de forma totalmente gratuita”. Asimismo, citaron el artículo 525.1 del Código Penal que establece “pena de multa de ocho a doce meses” para los que ofendan públicamente a miembros de una comunidad religiosa.

Comentando la decisión del miércoles, la presidenta de Abogados Cristianos, Polonia Castellanos, dijo: “este tipo de vejaciones no pueden quedar impunes. Solo pedimos que se respete a los cristianos”.

La casa de subastas Christie’s realizaban una valoración de rutina en Reino Unido y descubrió que una familia poseía dos retratos de Rembrandt, que nunca antes se habían exhibido e incluso eran desconocidos para los investigadores

El especialista calificó de “extraordinario” que esas piezas estuviesen ausentes en los estudios de obra del maestro holandés. Los retratos, que datan de 1635, saldrán a la venta el 6 de julio en Christie’s, luego de exhibirse en Nueva York y Ámsterdam, con un valor estimado por los dos de entre US$6 y 10 millones.

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Generaciones atrás, la familia compró el par de pinturas en 1824, en una subasta de la misma casa. Según Christie’s, desconocían que ambas eran originales confirmadas.

“A la familia le gustaron, pero nunca estuvieron seguros de que fueran de Rembrandt y nunca se fijaron en eso”, dijo Pettifer. “Han estado sentados en silencio en esta colección, efectivamente escondidos de cualquier atención”.

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Los retratos representan a Jan Willemsz van der Pluym y su esposa Jaapgen Carels, una pareja con conexiones familiares con el artista. El récord de subasta de Rembrandt fue en 2009, cuando el retrato “Hombre con los brazos en jarras” se vendió por 20,2 millones de libras esterlinas.

UNA PAREJA EN MINIATURA

Excepcionalmente raros, los retratos de Jan Willemsz van der Pluym (1565-1644) y Jaapgen Carels (1565-1640), firmados y fechados en 1635, brindan una visión única de la actividad de Rembrandt como pintor. dentro de su círculo íntimoCourtesy of Christie’s Images Ltd. 2023

Las pinturas representan a Jans Willemsz van der Pluym (1565-1640) y su esposa Jaapgen Carels (1565-1644), cuyo hijo se casó con una prima de Rembrandt. Las dos familias también eran vecinas, informó Christie’s. El mismo año que posó para Rembrandt, la pareja adquirió un jardín junto al de la madre del artista.

Los retratos permanecieron en posesión de la familia van der Pluym hasta 1760, cuando pasaron por varias colecciones de arte en Varsovia y París antes de llegar a manos de James Murray, primer barón de Glenlyon. Los puso a la venta el 18 de junio de 1824, simplemente con la leyenda “Rembrandt, muy enérgico y finamente coloreado”.

Rembrandt es uno de los artistas más célebres de todos los tiempos, nacido en Leiden en 1606 y el menor de al menos 10 hijos de un próspero molinero, como lo describe la Galería Nacional de Arte . Después de una educación clásica y de trabajar como aprendiz de otros pintores, el joven artista estableció su propio estudio a la edad de 21 años y rápidamente saltó a la fama. Según el Rijksmuseum, que posee la colección más grande del mundo del maestro holandés, éste perfeccionó su oficio dibujando y pintando retratos de familiares y conocidos. Dominó la escena artística del siglo XVII en Holanda, conocida como su “Edad de Oro”, y alcanzó niveles de estatus y reconocimiento nunca antes vistos entre los artistas. Murió en Ámsterdam en 1669.

Se trata de una famosa y polémica instalación de Cattelan, que es una banana pegada con cinta.

Un estudiante de arte de Corea del Sur comió una banana que formaba parte de una renombrada instalación del artista italiano Maurizio Cattelan porque “tenía hambre”.

Lo que no imaginó Noh Huyn-soo es que la pieza está valuada en 120.000 dólares.

El joven fue filmado por un amigo mientras quitaba la banana pegada con cinta adhesiva a una pared en el Museo de Arte Leeum de Seúl, le sacaba la cáscara y se la comía frente a los espectadores que presenciaron atónitos el hecho. Luego, volvió a colocar la cáscara usando la cinta y se marchó sonriente.

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Según el Korea Herald, cuando le preguntaron a Noh por qué lo había hecho, señaló que tenía hambre ya que no había desayunado. Sin embargo, más tarde, entrevistado por KBS, aseguró que le pareció que “dañar una obra de arte moderno también podría interpretarse como una obra de arte”, y que colocar de nuevo la cáscara era “una broma”. “Pensé que sería interesante… ¿no está allí para comerlo?”, preguntó.

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La banana que forma parte de la instalación Comedian de Cattelan, se reemplaza cada dos o tres días.

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El propio Cattelan, escultor y artista de performance, dijo al conocer el incidente que no había problemas.

Además, no es la primera vez que esto ocurre, ya que pasó lo mismo en el Miami Art Basel. En aquel momento, David Datuna sacó la banana y la comió, y aseguró que consideraba a Cattelan “un genio” pero no estaba de acuerdo con la cantidad de dinero que ganó con una banana que costó 20 centavos.

La primera y la segunda edición exhibidas en Miami Art Basel se vendieron por 120.000 dólares, y otra se puso a la venta por 150.000.

“He viajado por 67 países alrededor del mundo en los últimos tres años y veo cómo vive la gente –dijo Datuna–. Millones mueren sin comida. ¿Luego pone tres plátanos en la pared por medio millón de dólares?”.

Julieta Poggio está a un pie de cumplir su sueño: debutar en Calle Corrientes, con una obra de José María Muscari.

La artista tuvo varios papeles secundarios en películas cuando era pequeña y tras su paso por Gran Hermano, comenzaron a abrirse muchas puertas para ella.

Días atrás, se mostró muy cerca de José María Muscari y el director quedó obnubilado con su carisma.

“Ella es @poggiojulieta y es pura luz. Me encanta porque conjuga empatía y talento. ¿Qué dicen, hacemos algo juntos ? Los leo. ¿Les gustaría que trabajemos JUNTOS? Quizás se da, ¿no?”, escribió el director en su cuenta de Instagram y recibió cientos de comentarios que lo alentaron a trabajar con Juli en el futuro.

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Ahora, Julieta pasó por “Biri Biri” y los periodistas le preguntaron todo acerca de este posible proyecto. “Esta semana, Muscari subió una foto con vos y dijo que tiene muchas ganas de hacer algo con vos en el teatro, ¿ya hay algo hablado no?”, le preguntó Sebi Manzoni y Juli Puente agregó: “Pero yo no la veo en Sex”.

“No es Sex. Ya hay algo hablado… estoy muy contenta. O sea, de todo lo que me podían ofrecer, es lo que más feliz me pone. Amo el teatro”, confesó Julieta.

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“¿Es para el invierno?”, quiso saber Juli Puente y ahí, la modelo metió la pata: “Sí, ¡ay, estoy diciendo mucho! No es un infantil, es muy linda la obra, es una obra que ya existe, un clásico del teatro”.

Por otro lado, reveló que las figuras que la acompañarán todavía no están confirmadas pero que no va a haber otros participantes de Gran Hermano. “Es un protagónico en Calle Corrientes”, finalizó, feliz.

Se trató de una performance artísitica que enojó a muchos porteños. Como el evento es parte de la agenda cultural del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, varios vecinos cuestionaron que se usaran fondos públicos para ese tipo de propuestas. 

Se trata de la performance “Barroco furioso”, realizada en el Museo Fernández Blanco y organizada por la Ciudad de Buenos Aires. Los registros del evento muestran gente semidesnuda realizando movimientos provocativos.

Una performance artística en el Museo Fernández Blanco se volvió viral luego de la difusión de un video en el que se ve a un artista recitando una poesía con contenido sexual y de consumo de drogas, mientras chicas semidesnudas hacen movimientos sugestivos.

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“Qué importa la pobreza cuando tenés la p… bien dura”, canta el performista al frente del show titulado Barroco furioso. Simultáneamente, dos mujeres casi desnudas twerkeaban tiradas en el pasto.

Cuando comenzaron a circular las imágenes, las críticas a la propuesta y al jefe de Gobierno porteño, Horacio Rodríguez Larreta, no se hicieron esperar en las redes sociales. “Esto es lo que propone Larreta para los lugares más bellos del país. No es un caso aislado y lo pagamos nosotros”, escribió una usuaria.

“El espectáculo que se autorizó presentar en el Museo Fernández Blanco, es absolutamente desagradable, perverso y extremadamente de mal gusto!”, sumó otro usuario. “En algún lugar del boletín oficial del gobierno porteño está el contrato del Ministerio de Cultura para el show de estos degenerados en el Museo Fernandez Blanco”, cuestionó un twittero.

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Barroco furioso es una performance que en la que “hay un cruzamiento entre pintura, artistas sonoros, teatro, ópera, música electrónica, performance y género”. Según detallan los organizadores, la apuesta “abre otros modos de pensar el arte y nos invita a reflexionar el uso de categorías y cómo estas están condicionadas por una visualización aprendida”.

El capítulo representado en el museo se llama “Sirenas en jardines electrónicos” y es una creación del colectivo Ópera Periférica y bajo la dirección de Pablo Foladori y Gerardo Cardozo.

Perfil se comunicó con el ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y al cierre de esta nota no obtuvo respuesta.

MUSEO FERNÁNDEZ BLANCO

El Museo Fernández Blanco se encuentra emplazado en el Palacio Noel, ubicado en Retiro. Su actividad comenzó en la década de 1910, en la mansión donde Isaac Fernández Blanco residía con su familia.

En 1921 Isaac Fernández Blanco se mudó con su familia a otro lugar y convirtió su mansión en un museo permanente. En 1922 donó el museo a la Municipalidad de la Ciudad, y en 1947 la colección fue mudada al Palacio Noel, sumándose a la colección del Museo Colonial que existía en el edificio y a la colección de un disuelto museo municipal.

El show se presentará del 7 al 12 marzo.

El show más feliz del mundo se presentará en la Estación Belgrano (Bv. Gálvez 1150) del 7 al 12 de marzo. Podés comprar tus entradas en la boletería de Tribus (República de Siria 3572) o a través de www.tuentrada.com

En Fuerza Bruta Wayra no hay asientos, el público permanece de pie los 65 minutos que dura el espectáculo. Además le pedirán que te muevas por el espacio. Verán luces estroboscópicas, agua y humo.

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Quien asista no será un espectador pasivo. El show pide participación de una forma u otra, para que el público se entregue y forme parte del hecho artístico.

Clasificada por la revista Variety como “una noche de sensaciones asombrosas”. Es una obra que despierta todos los sentidos. Un hombre en una gigante cinta de correr, atravesando una serie de paredes móviles; intérpretes en suspensión en el aire; y mujeres magníficas bailando arriba de la audiencia.

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El genio creativo Diqui James, uno de los creadores de la exitosa serie de De La Guarda, es el creador de esta original y magnífica puesta en escena.

Luego de consagrarse luego de 36 años en el Mundial de Qatar 2022, la Selección Argentina recibió homenajes por todo el mundo pero principalmente en nuestro país: en esta oportunidad, una obra de la Scaloneta tiene lugar en CABA.

La intervención llamada “Exabrupto de Color Campeones del Mundo” la hizo el artista Alfredo Segatori y ya se puede visitar en una de las zonas más transitadas de la Ciudad.

#Homenaje a la #Scaloneta ?Lavalle entre 25 de Mayo y L.N.Alem. #Mural Campeones del MundoAutor: Alfredo Segatori?@HernanMundo

? https://t.co/liL2ThPUUz#AlertasTransito #VamosArgentina #SomosCampeonesDelMundo pic.twitter.com/1iIJ1Kqfl8

— Alertas Transito (@AlertasTransito) January 9, 2023

El mural de 400 metros cuadrados se extiende sobre la rampa y escalinata de la calle Lavalle, entre las intersecciones de Av. Leandro N. Alem y 25 de Mayo.

MESSI Y UN HOMENAJE ESPECIAL EN SAN TELMO

La consagración mundial de Lionel Messi despertó nuevas inspiraciones como el flamante mural que se observó en la calle Bolívar al 900, en el barrio de San Telmo, donde se lo ve haciéndole el gesto de Topo Gigio contra Países Bajos.

La imagen del astro rosarino apareció en la puerta de un negocio en San Telmo, con un tamaño de aproximadamente 2 metros y medio de alto, con el festejo del gol del 2 a 0 contra Países Bajos cuando se enfrentó al banco de suplentes rival.

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Sin embargo, esta pintura de Messi no es la única que apareció en las locaciones porteñas y del resto del país en estos días, al punto que se contabilizaron más de 20 desde el título obtenido contra Francia.

El otro que llamó la atención en el corazón de Palermo es el que está levantando la Copa del Mundo, con Emiliano Martínez de fondo, en una emulación perfecta de la escena vivida el 18 de diciembre en Doha.

El autor de este último mural es Maximiliano Bagnasco, uno de los mejores pintores de retrato en tamaño grande, como ya se observó en varias ocasiones con Diego Maradona.