Wanda Nara no necesita hacer demasiado para convertirse en tendencia. Cada movimiento suyo —una foto, un viaje, un silencio— desata una cadena de especulaciones que copa las redes y los programas de espectáculos. Su separación de Martín Migueles, nunca confirmada del todo por los protagonistas, dejó abierta una puerta que los rumores no tardaron en cruzar. Y esta vez, el nombre que se instaló junto al de ella fue el de Agustín Bernasconi.

El cantante y actor es el compañero de Nara en la película que está filmando en Uruguay y rápido se vio envuelto en rumores. Primero escribió dos mensajes en X desmintiendo la información, pero al borrarlos casi de inmediato, generó todavía más incertidumbre. En ese contexto, publicó una historia en su cuenta de Instagram con su versión definitiva de los hechos. Al menos, por ahora.

“Holaa, como andan? Quiero aclarar que no estoy en ningún romance ni nada de lo que se está hablando”, señaló el artista en un texto sobre una imagen de un set de filmación. “Estoy en Uruguay feliz grabando una película y preparando música nueva que sale este mes. Lo demás es todo mentira. Los quiero”, cerró.

Antes de publicar ese story, Bernasconi ya había reaccionado en X con dos posteos. En uno escribió que no había ningún romance. En el otro, respondió directamente a una publicación de América TV que preguntaba quién era el nuevo novio de Wanda Nara: “¡¡Esto es mentira!!! Estamos acá grabando una película en Uruguay y no hay nada más que eso”.

Vista cenital de un patio interior con equipo de filmación y varias personas. Un sillón y un sofá con grafitis de colores están en el centro. Plantas y un texto negro en una historia de Instagram se ven arribaAgustín Bernasconi publica una historia de Instagram desde un set de filmación en Uruguay, donde desmiente los rumores sobre su romance con Wanda Nara y anuncia nuevos proyectos musicales.Minutos después, borró ambos mensajes, pero las capturas de pantalla ya circulaban entre los seguidores y la eliminación de los posteos disparó una nueva oleada de especulaciones. Mientras algunos usuarios interpretaron que Bernasconi quiso mantenerse alejado del escándalo mediático, otros apuntaron a un posible pedido de Wanda Nara para bajar el tema públicamente.

Las versiones comenzaron a circular en televisión cuando la periodista Yanina Latorre aseguró en SQP, por América, que entre Wanda y su coprotagonista había algo más que una relación profesional. Latorre describió al supuesto nuevo novio como alguien joven, del medio, sin hijos y sin problemas con la Justicia.

También sembró dudas sobre la cronología de la separación de Wanda con Migueles: afirmó que la ruptura no habría ocurrido un mes antes, como se decía, sino que Migueles habría sido desplazado por el lío judicial en el que está involucrado.

La confirmación de que se trataba de Bernasconi no tardó. Según lo que trascendió, el acercamiento entre ambos se habría dado durante las largas jornadas de rodaje en Uruguay, y la química entre ellos habría traspasado el set. Bernasconi y Nara se muestran cercanos durante las grabaciones: risas, charlas y momentos de distensión entre ellos fueron observados durante el trabajo compartido. A todo esto, Wanda eligió el silencio. O mejor aún, el enigma.

¿Querés ser mi hijo? es el primer protagónico de Wanda Nara en la pantalla grande. Se trata de una comedia romántica que también integran Jean Pierre Noher y Charo López, filmada en Uruguay.

La trama sigue a Lucía, una mujer de 40 años que, tras descubrir la infidelidad de su pareja, regresa a su antiguo departamento de soltera y debe reconstruir su vida. Allí conoce a Javier, el vecino de 23 años que interpreta Bernasconi, y le propone que simule ser su hijo para una entrevista laboral.

Lo que arranca como una mentira para salir de un apuro termina convirtiéndose en el germen de un romance, pese a los 20 años que separan a los personajes.

La película es una remake de una exitosa comedia mexicana y propone una mirada sobre las relaciones intergeneracionales y la posibilidad de reinventarse después de una crisis sentimental.

“No le tengo miedo a la muerte. Sé que a todos nos va a tocar, pero admito que irme me daría mucha lástima”. Esta reflexión compartida por Luis Brandoni sintetizó su mirada serena ante el paso del tiempo y la cercanía del final. Figura central del teatro argentino, Brandoni, que estaba internado en la terapia intensiva del Sanatorio Güemes, murió este lunes a los 86 años, por un hematoma provocado por una caída en su casa.

Al irse, deja una huella profunda en la cultura, el gremialismo y la vida pública del país. La triste noticia la confirmó Carlos Rottemberg: “Murió Luis Brandoni. Con Beto se va el último primer actor de una generación inolvidable. Impulsor del teatro nacional, desde esta Casa Teatral seguiremos aplaudiendo su compromiso permanente, que excedió el ámbito del escenario. Hoy es un día muy triste para nuestra cultura”.

“Estamos organizando su despedida. La idea es que sea mañana desde el mediodía en la Legislatura y el martes a la mañana en el Panteón de Actores”, detalló.

Fue actor, dirigente sindical y militante político. Nacido como Adalberto Luis Brandoni el 18 de abril de 1940 en Dock Sud, Buenos Aires, consolidó una trayectoria de más de seis décadas en el arte y la política argentina. Su legado abarca desde clásicos del cine argentino hasta la defensa de los derechos laborales, marcando a varias generaciones de colegas, espectadores y militantes.

La infancia de Brandoni transcurrió en el seno de una familia trabajadora, en un barrio obrero que moldeó sus valores. Sus padres fueron José Domingo, empleado bancario y presidente del Club Sportivo Dock Sud, y Luisa Valentina Emiliani, ama de casa. El barrio de Dock Sud le enseñó a convivir con la diversidad, experiencias que forjaron su carácter y sensibilidad social. De aquellos años evocaba el silbido de su madre llamándolo a casa y la emoción de descubrir el cine argentino en las salas barriales, donde admiró a figuras como Pepe Arias y Olinda Bozán.

Su papá, impulsado por el dueño del banco donde trabajaba, también poseía tierras en San Rafael, Mendoza. Cuando murió en 1985, Brandoni y su hermano Gerardo donaron parte de las mismas a la comunidad local, a cambio que hicieran una escuela. Hoy existe un centro educativo que lleva el nombre de José Domingo.

A los trece años se mudó con su familia cerca del estadio Monumental y se identificó como hincha de River Plate, pasión que evocó alguna vez como una de las razones para regresar del exilio.

Su vocación artística surgió en la niñez. A los ocho años organizó una obra de títeres en casa y poco después debutó en la radio, en un ciclo de teatro infantil. Tras concluir la escuela secundaria, optó por el Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico. Ahí fue alumno de Cunil Cabanellas, Osvaldo Bonet y Camilo Da Passano. Brandoni reconoció: “Una parte de lo que soy se la debo a esos maestros. Ellos me inculcaron la profundidad de este oficio, la responsabilidad, lo que es una verdadera ética profesional”.

En su adolescencia, soñó con ser cantor de tangos o futbolista, y fue en el bar Obrero, en Libertador y Monroe, junto a amigos como el actor Ulises Dumont (quien lo bautizó “Beto”), donde recibió sus primeras lecciones de vida y política.

Su debut profesional ocurrió el 2 de mayo de 1962, con la comedia musical “Novio” en el Teatro Coliseo. Poco después, se integró a la Comedia Nacional bajo dirección de Armando Discépolo, experiencia a la que asignó un valor fundacional para su carrera.

Una carrera consagrada en cine, teatro y televisión

Brandoni construyó el arquetipo del actor argentino, eligiendo papeles en obras y películas emblemáticas. En el cine participó de 60 películas y formó parte de títulos como La Patagonia rebelde, La tregua, Juan que reía, Seré cualquier cosa pero te quiero, Cien veces no debo, Darse cuenta, La Odisea de los giles, El cuento de la comadreja y Esperando la carroza; en esta última, su frase de las tres empanadas se transformó en parte del imaginario colectivo, aunque él siempre la consideró como una escena más triste que graciosa.

En televisión tuvo 25 participaciones, algunas en ciclos populares como Mi cuñado junto a Ricardo Darín, en la que interpretó a un inolvidable Roberto Cantalapiedra; Buscavidas, un vendedor ambulante con el actor chileno Patricio Contreras; Durmiendo con mi jefe, con Guillermo Francella, cuyo personaje fue Enzo Tempone; Un gallo para Esculapio, en la que tomó el rol de de Marcelo Chelo, el jefe de una banda de piratas del asfalto, y El hombre de tu vida, otra vez compartiendo los roles protagónicos con Francella, donde interpretó a un entrañable sacerdote, el padre Francisco.

Su último gran éxito en la pantalla fue Nada, una serie estrenada en 2023 por la plataforma Star+. Allí, Brandoni compartió cartel con Robert De Niro, a quien conoció a través de Lito Cruz, muy amigo del actor estadounidense. La amistad con De Niro se intensificó en 1986, cuando viajó a Nueva York para filmar una parte de Made in Argentina. “Tenía una escena con un actor norteamericano que había ido a cenar a un restaurante que era De Niro. Le preguntó qué hacía por allá, y este actor le contó que estaba filmando con un tal Brandoni y De Niro le dijo: ‘¡Brandoni! Decile que me llame’. Era porque estábamos en vísperas de Nochebuena, un 21 de diciembre, y él temía que yo pasara las fiestas solo, o con el equipo de producción. Así que quería invitarme a su casa, y fuimos con Martha (Bianchi) y una de mis hijas a su casa a pasar Nochebuena. Ahí surgió una relación y nos vimos muchas veces, de hecho la última vez que vino a Buenos Aires estuvo en mi casa”.

Pero fue en el teatro donde más se lució. Una determinación clave fue la que tomó mientras formaba parte del elenco de La pucha, escrita por Oscar Viale, en 1969. Allí decidió las obras de dramaturgos argentinos serían su opción a la hora de trabajar. En teatro,dejó un sello indeleble en Stéfano, La Fiaca, Chúmbale, Convivencia, Segundo tiempo, Gris de ausencia, El pan de la locura y Made in Lanús (como actor y director) y Parque Lezama (también en cine, y en ambas ocasiones dirigido por Juan José Campanella) entre casi 70 títulos.

Sobre los distintos formatos de los que participó, Brandoni era claro: “Lo que más me gusta es el teatro, porque uno puede ver realmente qué pasa con su trabajo. La televisión da popularidad y el cine, la perpetuidad”. En otra oportunidad, declaró: “El teatro es un arte vivo que me sigue sorprendiendo, incluso después de tantos años”, declaró Brandoni. Su entrega fue reconocida cuando la Secretaría de Cultura de la Nación lo nombró Personalidad Emérita de la Cultura, en una ceremonia en el Palacio Libertad.

Militancia, exilio y compromiso político

Desde 1962, Brandoni participó en la Asociación Argentina de Actores, siendo elegido Secretario General una década más tarde. Su gestión estuvo marcada por la defensa de derechos laborales, la solidaridad y la militancia gremial, aunque también le costó amenazas, atentados y un secuestro en 1976. En el año 2021, confesó en la mesa de Juana Viale: “Me fui después de 55 años y de haber sido secretario general durante 11. Dejé de ser socio porque no me representa a mi, ni a otros actores argentinos... se transformó en la Asociación ‘Kirchnerista’ de Actores”.

La hostilidad política de la década del setenta lo obligó a exiliarse en México en 1975 tras amenazas de la Triple A. Volvió al país diez meses después, impulsado por la nostalgia personal y deportiva. Sobre el exilio, manifestó: “Viví muy mal el exilio, me fui por poco tiempo… A los diez meses volví porque no aguantaba más. También porque River volvía a ser campeón y necesitaba estar ahí”, recordó en una entrevista para Infobae.

El peligro persistió: en 1976 fue secuestrado y llevado al centro clandestino de detención Automotores Orletti, donde fue interrogado y amenazado antes de ser liberado por la presión de sus compañeros.

Su identificación con la Unión Cívica Radical (UCR) se consolidó en 1982, tras leer “La cuestión argentina” de Raúl Alfonsín. En tiempos de dictadura, ofreció su casa para reuniones clandestinas con Alfonsín, quien luego lo convocó como asesor ad honorem en temas culturales durante su presidencia. Brandoni fue electo diputado provincial en 1997,candidato a senador en 2005, acompañó a Ricardo Alfonsín como candidato a vicegobernador bonaerense en 2007 y se postuló como precandidato a senador suplente en 2013. En la actualidad era parlamentario del Mercosur por Argentina. “Hice política durante muchos años de mi vida y no dejé de ser decente”, reivindicaba.

Su visión sobre el sindicalismo y la política era crítica y autocrítica, y no ocultaba sus frustraciones: “La política es una tara muy complicada. He tenido una participación directa en la política nacional, más allá de mi militancia y tuve algunas satisfacciones y muchas frustraciones. Aunque eso ocurre con todos los políticos”.

Amor, familia y emociones profundas

La primera novia de Luis Brandoni fue una chica del barrio de Dock Sud, la hija del hielero. Sin embargo, se convirtió en su primer desazón romántica. Y lo explicó: “El amor no pudo ser, era amigo de mi familia y yo me sentía un traidor, como si estuviera faltando el honor de mi casa”.

Cuando tenía 16 años conoció, en un baile del Conservatorio en el que ambos estudiaban, a Martha Bianchi, que tenía 15. Cuando a Brandoni le dieron la baja del Servicio Militar, decidieron casarse. Al principio vivían en un departamento de un ambiente, donde pasaron estrecheces. Pero ambos compartieron 33 años de matrimonio. Martha Bianchi, actriz y feminista, fue la madre de sus hijas Florencia y Micaela.

A principios de los años 2000, en Mar del Plata, conoció a Mónica López, productora y gestora cultural. En 2007 se casaron en el Registro Civil de la calle Uruguay e hicieron la fiesta en el San Juan Tennis Club, a la que asistió Raúl Alfonsín. Brandoni ya tenía 67 años y ella 39. “Firmamos porque la quiero, nos queremos y nos merecemos una formalidad como esta”, anunció. Ambos constituyeron además una sociedad, con la que produjeron. En el año 21′ se separaron.

Luis Brandoni y su última pareja, Saula Benavente

En septiembre de 2013, en una cena en el cumpleaños 80 de un amigo, Claudio Segovia, invitó a sentarse a su mesa a la directora, guionista y productora Saula Benavente, 33 años menor que él. El acercamiento fue paulatino, y aunque no convivían, fue con ella que se mostró en la celebración de sus 85 años.

Alguna vez, Brandoni sintetizó su recorrido en el amor: “Martha fue un gran amor. Pasé 38 años de mi vida con ella. Después, la vida me regaló un nuevo comienzo. Estoy muy feliz”, relató Brandoni.

Era un abuelo presente, y celebró sus 85 años en el escenario, rodeado de familia y colegas. La pasión por el tango y el fútbol, y la importancia de la amistad, formaban parte de su visión de la vida. “Le pongo el tango al amor porque tiene todo: pasión y melancolía”, compartió.

El último tramo: escenarios, reconocimientos y salud

En los años recientes, Brandoni mantuvo actividad constante en el teatro, junto a Soledad Silveyra, con funciones agotadas y ovaciones de pie por la obra Quién es quién. Sin embargo, debió afrontar problemas de salud. A finales de 2025 fue hospitalizado por un pico en su presión arterial. Estas complicaciones provocaron la suspensión de funciones y el apoyo solidario de colegas como Gerardo Romano y Ana María Picchio, quienes cedieron escenarios para facilitarle continuar actuando en Buenos Aires.

En abril de 2026 sufrió un accidente doméstico, una caída, que le provocó un hematoma en la cabeza. A pesar que en los primeros momentos parecía que se recuperaría, su salud se resintió y murió.

Las dificultades de salud nunca menguaron el compromiso de Brandoni con su oficio y su presencia sobre las tablas. Al repasar su vida, afirmaba: “Para uno saber que está en un momento de felicidad, tuvo que pasar algunos momentos de desaliento…”.

Los primeros días del bebé, entre la calma familiar y la celebración en Barcelona, la renovada faceta íntima del actor y su pareja Úrsula Corberó

El Chino Darín compartió un tierno y emotivo junto a su hijo Dante, fruto de su relación con Úrsula Corberó. En las imágenes difundidas, el actor aparece recostado, sin camisa, mientras el bebé descansa sobre su pecho en un ambiente de calma y ternura.

El pequeño, envuelto en una manta clara y con un gorro tejido, duerme tranquilamente mientras su padre lo sujeta con ambas manos. Este gesto íntimo generó una ola de reacciones positivas en redes sociales.

La publicación se destacó por la frase que la acompañaba: “¡Hijo ‘e tigre!”, expresión que reflejó el orgullo y la cercanía de Darín ante el nacimiento de su hijo.

Pocos días después, Úrsula Corberó mostró la primera imagen de una salida familiar con Dante, recorriendo las calles de Barcelona. En la fotografía, la actriz posa frente al Arco de Triunfo empujando un cochecito marrón donde descansa su hijo, vestida con abrigo negro, gafas oscuras y el cabello suelto.

🥹 El Chino Darin y Dante durmiendo juntos. pic.twitter.com/gj09XKymGV

“Hola, soy mami”, escribió Corberó al pie de la foto, haciendo oficial la primera aparición pública de Dante junto a sus padres.

Las imágenes y mensajes compartidos atrajeron comentarios de seguidores y figuras públicas celebrando la llegada de Dante y la manera natural en la que la pareja muestra su vida familiar.

Las postales retratan el comienzo de un lazo familiar marcado por la cercanía y el contacto, haciendo visible la intimidad de los primeros días entre padres e hijo.

La llegada de Dante, el primer nieto de Ricardo Darín, marcó un acontecimiento de felicidad para la familia y fans del actor, tanto en Barcelona como en Argentina. El nacimiento, que se produjo antes de la fecha estimada, movilizó a los allegados de la pareja y generó una oleada de mensajes desde ambos lados del Atlántico. La elección de Barcelona como lugar del nacimiento permitió que Úrsula Corberó estuviese rodeada de su círculo íntimo, y que la familia Darín se trasladara para vivir de cerca el nacimiento.

Al referirse al estado de la familia tras el parto, Ricardo Darín expresó: “Por suerte, los dos están muy bien. Todo fue fantástico y fabuloso. Estamos todos muy felices”. El actor celebró el encuentro en territorio español para acompañar a su hijo, Chino Darín, y a Corberó durante los primeros días de su hijo recién nacido, sumándose a la intimidad de la pareja.

Dante llegó al mundo el lunes 9 de febrero en una clínica de la ciudad catalana. Las especulaciones previas sobre si el parto ocurriría en Madrid, Buenos Aires o Barcelona se disiparon cuando la actriz optó por dar a luz en su ciudad natal. Esta elección permitió la proximidad de amigos y familiares, y despejó los rumores en torno al lugar del nacimiento.

El nombre Dante fue confirmado por Ricardo Darín durante el anuncio a la prensa. “Se llama Dante y es un nombre con mucho significado. Es bonito, es muy bonito”, afirmó el actor, resaltando la importancia del nombre, aunque evitó profundizar en detalles adicionales sobre su simbolismo.

La noticia generó interés entre los seguidores de la pareja y el entorno cercano, impactados por el cierre de una década de relación entre Corberó y Chino Darín. La pareja, que inició su vínculo durante el rodaje de la serie La Embajada de Antena 3, atraviesa su etapa más familiar con la llegada del primer hijo en común.

Ricardo Darín compartió su percepción sobre los primeros días de vida del bebé: “Es muy chiquitito todavía, pero supongo que como ocurre en casi todos los casos, cada uno le encontrará parecidos familiares”. El actor también habló sobre la experiencia de la paternidad que transita su hijo Chino. “No hay consejos posibles, es una experiencia que cada uno debe vivir en carne propia”, remarcó Ricardo.

La gala de este domingo dejó uno de los momentos más emotivos y comentados de la temporada. En una noche cargada de tensión, errores técnicos y despedidas con lágrimas, Miguel Ángel Rodríguez se convirtió en el último eliminado de MasterChef Celebrity (Telefe), tras una prueba que lo tuvo contra las cuerdas desde el inicio y que terminó sellando su salida del certamen.

La consigna de la jornada no era sencilla: cocinar centolla, un producto noble pero delicado, que exige precisión, tiempos exactos y una técnica afinada. El actor decidió hacer el plato con un risotto como protagonista. Desde el primer minuto mostró dificultades para dominar la preparación. Incluso antes de la devolución del jurado, el clima en el estudio anticipaba que el plato no había logrado convencer, ya que debió ser ayudado por La Joaqui para poder entregar en el tiempo estipulado.

Durante la degustación, las observaciones del jurado fueron claras y contundentes. Donato de Santis fue el primero en marcar el principal problema del plato: la centolla estaba pasada de cocción y prácticamente había perdido identidad dentro del risotto. “La centolla no está en este risotto”, sentenció el chef, dejando en evidencia que el ingrediente estrella no se percibía ni en sabor ni en textura. A esto se sumó otro error clave: el caldo. Según explicó Miguel Ángel, había preparado un fondo con apio e hinojo, pero el resultado fue desbalanceado. Donato detectó de inmediato que el gusto a apio predominaba por sobre todo, algo que terminó jugando en contra.

Por su parte, Damián Betular recordó una advertencia previa: la proporción de apio ya había sido un problema en otra instancia del desafío. Además, explicó un error técnico determinante: la centolla no debe hervirse a borbotones, sino a fuego suave, con un hervor tranquilo, para no perder su textura ni su sabor. Según el jurado, ese punto no fue respetado y la proteína terminó “disuelta”.

La devolución más dura llegó de la mano de Germán Martitegui, quien comparó el resultado final con una imitación de centolla. “Esto está casi en el nivel de kanikama”, lanzó, aludiendo a la falsa centolla hecha con pescado procesado. Una comparación letal en una competencia de este nivel.

Con los platos ya evaluados y la tensión en aumento, llegó el momento de la definición. Cuando Wanda Nara anunció el nombre del eliminado, el estudio quedó en silencio. “La sorpresa que nos llevamos todos, que se vaya Miguel, es terrible”, expresó Susana Roccasalvo, reflejando el sentimiento general.

Más allá de los errores culinarios, la salida de Miguel Ángel Rodríguez dejó en claro que MasterChef Celebrity no solo evalúa platos, sino también el impacto humano de cada participante. Las palabras del jurado y de sus compañeros coincidieron en un punto: el programa pierde a una de sus grandes fuentes de humor y energía. Betular fue especialmente emotivo al destacar su rol dentro del grupo: “En los equipos de cocina siempre hace falta un Miguel Ángel, porque es el que rompe, el que te saca la mala onda, el que hace que el equipo vaya para adelante”. Andy Chango, Cachete Sierra, La Joaqui y Maxi López también expresaron su tristeza por la salida de un participante que, más allá de cocinar mejor o peor, marcó la convivencia con su carisma.

Wanda Nara resumió el sentimiento colectivo al señalar que Miguel Ángel “dio más de lo que esperaban”, no solo en la cocina, sino en lo humano. “Siempre estabas ahí para sacarnos una sonrisa”, le dijo, visiblemente emocionada, antes de anunciar el momento inevitable: dejar el delantal sobre la mesada.

En su discurso final, Miguel Ángel Rodríguez volvió a demostrar por qué es una figura tan querida. Agradeció al equipo, a la producción y a sus compañeros, y recordó una frase de Charles Chaplin que resumió su paso por el programa: “Un día sin risa es un día perdido”. Con aplausos de pie y lágrimas en el estudio, se despidió dejando en claro que, aunque la competencia continúa, su ausencia se va a sentir.

Cabe recordar que el risotto no fue el único tropiezo que marcó su salida. Apenas unos días antes, Miguel Ángel Rodríguez había protagonizado uno de los momentos más caóticos y tensos de la temporada, en una gala que terminó convertida en pesadilla. Durante una prueba de pastelería, el actor preparaba una torta arcoíris y confiaba en tener todo bajo control. Había elaborado una gran cantidad de buttercream y la había dejado enfriando en el abatidor, identificada con un papel. Pero, a minutos de la entrega, la crema desapareció.

Como si el robo no fuera suficiente, llegó el golpe final: justo antes de entregar, los seis pisos de la torta se derrumbaron de manera estrepitosa sobre la mesada. Durante unos segundos, Miguel quedó paralizado, mirando cómo su trabajo se deshacía frente a las cámaras. Aun así, decidió seguir adelante y, casi a puro impulso, intentó recomponer la preparación con las manos para poder presentar algo ante el jurado.

En la devolución, Donato destacó la intención y el sabor, más allá del desastre visual. Pero Martitegui volvió a ser tajante: calificó la torta como un “horror” y remató con una frase lapidaria al señalar que, si le habían robado la crema, fue porque no la cuidó. Esa noche, Miguel Ángel recibió el delantal gris, una señal clara de que su continuidad pendía de un hilo que se terminó de cortar la noche del lunes.

Lo que parecía una noche más de competencia en MasterChef Celebrity (Telefe) terminó convirtiéndose en una verdadera pesadilla para Miguel Ángel Rodríguez, que vivió una de sus jornadas más caóticas y tensas desde que ingresó a las cocinas del reality. Robo, insultos al aire, nervios desbordados y una torta destruida marcaron una secuencia que dejó al actor al borde del colapso emocional y expuso uno de los momentos más desordenados de la temporada.

El detonante del escándalo fue el abatidor, ese electrodoméstico clave que, programa tras programa, se convierte en un foco de conflictos por la cantidad de preparaciones que los participantes intentan enfriar a contrarreloj. En ese contexto, al actor confiaba en tener todo bajo control: había preparado una abundante cantidad de buttercream para su torta Arco Iris y, previendo confusiones, aseguró haber dejado un papel identificatorio dentro del bowl.

Sin embargo, cuando regresó a buscarla en los minutos finales de la prueba, la crema había desaparecido. Literalmente. “Me afanaron la crema”, repetía, cada vez más alterado, mientras el reloj avanzaba y la presión del desafío se hacía insoportable. La incredulidad dio paso a la bronca y, casi de inmediato, el actor comenzó a descargar su furia a los gritos, sin medir palabras ni micrófonos.

El desconcierto se apoderó del estudio. Wanda Nara, desde su rol de conductora, intentó intervenir para calmarlo y ayudarlo a encontrar una solución en medio del caos. Pero Miguel Ángel estaba fuera de sí. “No tengo la crema, corazón”, lanzó, mientras el resto de los participantes observaba la escena con mezcla de sorpresa, incomodidad y algo de temor. Algunos, incluso, bromearon nerviosos ante el nivel de tensión que se respiraba en el aire.

Lejos de aparecer el responsable del “hurto”, nadie asumió haberse llevado la preparación equivocada. Ese silencio colectivo terminó de encender al actor, que se sintió víctima de una injusticia en plena competencia. “Si chorearon, voy a chorear yo”, disparó, resignado a terminar su plato.

Cuando parecía que nada podía empeorar, llegó el golpe final. Con la torta ya armada —o al menos en proceso— los seis pisos de la torta arcoíris se derrumbaron de manera estrepitosa sobre la mesada. El impacto fue devastador. Durante unos segundos, Miguel quedó paralizado, mirando cómo su trabajo se deshacía frente a las cámaras. La frustración se transformó en angustia y, aun así, decidió seguir adelante.

A puro impulso con el afán de al menos poder presentar su plato, el actor agarró la preparación con las manos y trató de recomponerla como pudo, apelando más a la voluntad que a la técnica. El gesto reflejó claramente el estado emocional en el que se encontraba: cansado, indignado y herido en su orgullo, pero decidido a no abandonar.

Llegado el momento de la devolución, Miguel Ángel expuso ante el jurado lo que había sucedido. Relató el robo de la crema, explicó que la había identificado con un papel y aseguró que, sin ese imprevisto, el resultado hubiera sido muy distinto. Damián Betular deslizó entonces que el “amigo de lo ajeno” seguía en el estudio, aunque nadie dio un paso al frente.

En medio del análisis, Donato de Santis destacó el sabor, el color y la intención del plato, señalando que, más allá del desastre visual, la torta estaba rica. Incluso reconoció el esfuerzo del actor por salir adelante en una situación límite. Por un momento, parecía que Miguel recibía algo de contención tras el mal trago.

Pero la calma duró poco. Germán Martitegui fue tajante y demolió cualquier intento de consuelo. Sin rodeos, calificó la torta como un “horror”, marcó errores técnicos en cada capa, criticó el exceso de tostado y remató con una frase que terminó de hundir al participante: si le robaron las cosas, fue porque no las cuidó.

La devolución cayó como un balde de agua fría. El rostro de Miguel Ángel reflejó bronca, frustración y cansancio acumulado. Posteriormente, recibió el delantal gris de manera directa. Su noche, ya marcada por el caos y el enojo, cerró con una crítica durísima que dejó en claro que, en MasterChef Celebrity, no hay lugar para excusas, ni siquiera en las peores circunstancias.

Héctor Alterio murió a los 96 años, según comunicó su familia, y con él se apaga una de las presencias más potentes, éticas y conmovedoras de la actuación argentina. Actor de teatro, cine y televisión, su trayectoria, que supera las 150 películas, no sólo dejó interpretaciones memorables sino también una huella política y cultural que atravesó décadas, dictaduras, exilio y regreso. Alterio fue, hasta el final, un artista que entendió la actuación como una forma de compromiso con su tiempo. El comunicado de la familia Alterio-Bacaicoa señala que falleció «después de una vida larga y plena dedicada a su familia y al arte, estando activo profesionalmente hasta el día de hoy».

Nacido en Buenos Aires, Alterio construyó una carrera singular: hace más de medio siglo residía fuera del país, pero nunca dejó de ser una figura central del cine argentino. Su voz, su dicción inconfundible y su presencia austera pero cargada de intensidad quedaron asociadas a algunas de las películas más emblemáticas de la historia nacional. La Patagonia rebelde, La tregua, La historia oficial, Camila, Yo, la peor de todas, Tango feroz, Plata quemada y Caballos salvajes son apenas algunos títulos de una filmografía atravesada por la denuncia de la injusticia social, la memoria histórica y la defensa de los derechos humanos.

El año 1974 marcó un punto de quiebre en su vida. Protagonista de La Patagonia rebelde, que revisitaba los fusilamientos de obreros en el sur argentino, y de La tregua, adaptación de la novela de Mario Benedetti, Alterio se convirtió en blanco de amenazas de la Triple A. Tras viajar a San Sebastián para presentar La tregua, no hubo avión de regreso: comenzaba así un largo exilio forzado que lo llevó a radicarse en España. Desde allí continuó una carrera prolífica, sin romper nunca el vínculo con la Argentina ni con su historia reciente.

Ese desgarro, el del destierro y la nostalgia, se volvió materia artística. En sus últimos años, Alterio regresó a los escenarios porteños con Mi Buenos Aires, un espectáculo íntimo y profundamente emotivo que articulaba dramaturgia, poesía y tango. Acompañado por el pianista Juan Esteban Cuacci y con dramaturgia de Ángela Bacaicoa, el actor recorría recuerdos personales y colectivos a través de textos de Homero Manzi, Enrique Cadícamo, Eladia Blázquez, Cátulo Castillo, Horacio Ferrer y León Felipe. Allí, el Buenos Aires de su infancia y juventud aparecía como un “paraíso perdido”, evocado con melancolía, humor y una sensibilidad intacta.

Lejos de la solemnidad, Alterio supo despedirse de los escenarios con la misma honestidad que caracterizó toda su obra. En ese espectáculo final, estrenado cuando ya superaba los 90 años, la emoción no era un gesto retrospectivo sino una presencia viva. Su recitado de tangos y poemas, su complicidad musical con Cuacci y su manera de habitar cada palabra confirmaban que el tiempo no había erosionado su talento.

Durante la transición democrática, su regreso simbólico al cine argentino fue clave. En La historia oficial encarnó a un empresario cómplice de la dictadura, en una actuación incómoda y fundamental para pensar el terrorismo de Estado. Más tarde, junto a Marcelo Piñeyro, dio vida a personajes que cuestionaban el cinismo del poder y el avance del neoliberalismo. Su José de Caballos salvajes, el viejo anarquista que grita “¡La puta que vale la pena estar vivo!”, quedó grabado en la memoria popular como una síntesis de su propia filosofía vital.

Alterio visitó Buenos Aires por última vez

En su última visita a Buenos Aires en 2023 recibió el reconocimiento como Personalidad Emérita de la Cultura y se reencontró con amigos y compañeros de ruta como Pepe Soriano, Ricardo Darín, Ana María Picchio y Leonardo Sbaraglia, en escenas donde la ficción y la vida parecían fundirse. Hoy, esas imágenes adquieren un valor de despedida.

Con la muerte de Héctor Alterio se va mucho más que un actor extraordinario. Se va una conciencia artística que supo estar “del lado correcto” de la historia, una voz que narró el dolor, la memoria y la esperanza de un país, y un intérprete que, incluso en el exilio, nunca dejó de volver a Buenos Aires.

A los 75 años, murió Cary-Hiroyuki Tagawa, uno de los villanos más reconocidos de la histórica saga Mortal Kombat, surgida a partir de un videojuego.

Los problemas de salud del actor se complicaron a partir de un derrame cerebral que había tenido hace poco tiempo, confirmó su familia al medio Deadline, que dio la primicia.

Tagawa, además de haber sido conocido por trabajar en la saga de Mortal Kombat, también fue parte de los elencos de El último emperador, Memorias de una geisha y la serie The Man in the High Castle.

Cary-Hiroyuki Tagawa había nacido el 27 de septiembre de 1950 en Tokio, Japón, en plena posguerra. A los 5 años se mudó con su familia a los Estados Unidos y desde muy chico le interesaron las artes marciales.

A los 21 años, Tagawa se centró en aprender el karate tradicional japonés en la Universidad del Sur de California y, al poco tiempo, volvió a su país de origen para estudiar en la Asociación Japonesa de Karate.

Es en esta época en la que ingresa a Hollywood con pequeños papeles en series y películas, sobre todo de extra, hasta que llegó al gran rol de su vida, el villano Shang Tsung en la franquicia de Mortal Kombat.

Tagawa apareció en el film original de 1995 y en su secuela, de 1997. A la vez, tuvo apariciones especiales en los desprendimientos, como también prestó su voz a varias versiones del videojuego que se hicieron posteriores al éxito de la franquicia cinematográfica.

El actor también participó de otro film relacionado con la industria de los videojuegos, Tekken. Además trabajó en El último emperador, de Bernardo Bertolucci, ganadora del Oscar como Mejor Película en 1987.

Su imagen se hizo habitual en roles secundarios en los que debía apelar a las artes marciales o se debía mostrar algún aspecto de la cultura japonesa. Por eso estuvo en los elencos de Licencia para matar, Pearl Harbor, El planeta de los simios, Elektra, Memoria de una geisha y 47 Ronin.

En 2015, Tagawa tuvo uno de los papeles más importantes de su vida, en la serie The Man in the High Castle. Allí interpretó a Nobusuke Tagomi, ministro de Comercio de los Estados del Pacífico de América, en una nación que en la historia quedó dividida entre la ocupación japonesa y nazi tras la Segunda Guerra Mundial. Su rol es clave para el devenir de la trama.

En una charla íntima y sin filtro con Pablo Montagna en Radio Rivadavia, Gabriel "el Puma" Goity se mostró apasionado al hablar sobre su presente profesional, su amor por el teatro y su mirada sobre la industria audiovisual argentina.

 Actualmente protagoniza una ambiciosa puesta en escena del clásico "Cyrano de Bergerac", el actor celebró el éxito de la obra y defendió la calidad de la obra cuando hacen giras. "La condición era ir con todo. Generalmente cuando hacés gira te piden reducir elenco y escenografía, pero no es el caso", afirmó con orgullo,

Por otra parte, aseguró que la respuesta de los espectadores es positiva al ver la magnitud de la obra en esecna. “El público agradece ver grandes obras de teatro, con muchos actores, escenografía, vestuario. Un clásico es clásico porque es una gran obra de teatro”, afirmó.

Con más de 200 mil espectadores que ya vieron la obra, Goity no esconde la emoción. "Es muy emocionante. Hacer esta obra es una alegría enorme". Además, contó cómo llegó "Cyrano" a su vida y el su vínculo emotivo con el personaje."Todo el mundo sabía que el Cyrano era mi obra. Empecé a estudiar teatro por culpa de Cyrano. Cuando me llegó el llamado que esperé más de 40 años de 'el Cyrano es tuyo', se me llenó todo de preguntas".

El Puma también celebró el reconocimiento al trabajo actoral en todas sus formas."Está muy bien que le den un Martín Fierro al cine, televisión y teatro", señaló, en un contexto donde la visibilidad del teatro muchas veces queda relegada frente a otros formatos.

Consultado sobre la industria audiovisual, Goity fue categórico con su reciente trabajo en plataformas de streaming. "El Encargado me encantó, estoy con ganas de seguir haciendo cosas así", dijo, aunque no dejó pasar la oportunidad de criticar cierta pose instalada en el medio."Son pocos los que dicen que quieren hacer una película o serie por año. No son amigos míos, hay mucho impostor. Me da vergüenza ajena cuando dicen que no quieren trabajar, sos un estúpido".

Comprometido con su oficio, reflexionó sobre el impacto colectivo del trabajo actoral, ya que asegura que la real militancia está en trabajar por la cantidad de fuentes de trabajo que genera la industria. "Hay que salir a laburar por vos y por todo el laburo que le das a la gente. Si Francella dice que quiere hacer un proyecto, labura un montón de gente. Hay que tener respeto por las figuras".

Lejos de ver su trabajo como una carga, Goity lo define con pasión."Más que desafío es deseo. A mí me encanta lo mío, es pasión. Lo que te gusta, hacelo con pasión 24/7".

Finalmente, con una dosis de honestidad brutal, se refirió a las personas que critican o que no consumen teatro acusando que les aburre. "El teatro no es aburrido, a lo sumo vas a ver espectáculos de mierda", y también hizo un repaso de su pasado. "Yo no haría hoy otra vez 'Poné a Francella', fue hace 20 años".

El mundo del espectáculo argentino despidió este miércoles con profundo pesar al actor José Andrada, quien falleció a los 87 años. La noticia generó conmoción entre colegas, fanáticos y seguidores de su extensa trayectoria en cine, teatro y televisión.

Andrada quedó inmortalizado en la memoria popular por su participación en la serie de culto "Los Simuladores", donde protagonizó una escena que se convirtió en un clásico y que dejó una frase recordada por varias generaciones: "¿No hay un piquito para mí?". Su carisma y talento lo hicieron destacar en cada proyecto en el que participó.

La confirmación del fallecimiento llegó a través de un comunicado de la Asociación Argentina de Actores. La entidad destacó la importancia de su carrera y su legado en la cultura nacional, resaltando que su figura continuará presente en la memoria del público.

"Desarrolló una extensa carrera en cine, teatro y televisión. En 2010 recibió el Premio Podestá en reconocimiento a su trayectoria. Acompañamos en este momento a sus familiares, amistades y colegas”, expresaron desde la Asociación, subrayando el impacto que tuvo Andrada en varias generaciones de artistas y espectadores.

El adiós a José Andrada marca el fin de una era en la actuación argentina. Su trabajo, tanto en la televisión como en el teatro, será recordado por su calidad interpretativa y por las huellas que dejó en la cultura popular, consolidándose como un referente del espectáculo nacional.

Florencia Peña abrió su corazón en una reciente entrevista y relató con crudeza un hecho de abuso sexual que sufrió en 1991, cuando tenía apenas 17 años.

La aberrante situación se dio en el marco de una obra teatral y contó por primera vez, en diálogo con Sebastián Soldano en el ciclo A solas, que el responsable fue un compañero de elenco que aún hoy sigue siendo una figura reconocida del espectáculo.

“Tenía 17 años. Él era un compañero de teatro, grande, yo era muchísimo más niña. Fue una situación que yo naturalicé durante años y que ahora, un poco con todo lo que está pasando, empecé a poner blanco sobre negro y decís ´ah, pero esto que me estaba pasando estaba muy mal’”, afirmó primero.

Luego, brindó duros detalles: "Me tocaba, me tocaba las tetas, abajo. Me decía ‘ay, qué linda’ y me tocaba. Por ahí estábamos por entrar a escena o salíamos del escenario. Y cuando empecé a mirar para atrás, dije ´Dios mío, ¿Qué fue eso? Ese abuso se repetía todos los días mientras yo iba al teatro. No fue un abuso de una vez”.

Por último, Peña explicó los motivos por los que no denunció en aquel momento al agresor. Señaló, entre otras cosas, que la falta de herramientas y el machismo de la época eran imposibles de quebrar para que le creyeran a una adolescente en contra de un actor de esa magnitud.

“No doy el nombre porque es un actor muy famoso y siento que ya está grande. Lo importante es poder transmitir mi vivencia para que a otras mujeres no les pase”, concluyó.

Benjamín Alfonso tuvo una propuesta laboral muy importante. Fue convocado para formar parte de la serie española "Valeria", un éxito a nivel mundial. Pero esa experiencia estuvo lejos de ser la gran oportunidad que había soñado.

Según contó en la mesa de Juana Viale, el actor sufrió acoso por parte de una de las actrices del proyecto. Pero al quejarse, lo terminaron echando por considerar que no había demasiada "piel".

“Fue básicamente acoso en mi contra, lamentablemente. Fue muy fuerte. Fue horrible. Me contrataron para hacer una serie. Era uno de los primeros equipos de trabajo en el cual eran todas mujeres, un equipo ultra feminista”, comenzó a contar Benjamín, que participó en el rodaje en el año 2019.

“Durante el rodaje empezaron a pasar un montón de cosas. Grabo la serie entera, echan a la directora en la mitad, empiezan a echar a un montón de gente y las chicas estaban desesperadas y yo les daba tranquilidad. Yo, un argentino, recién llegado a España, decía: ‘Chicas, tranquilas, van a ver que va a andar todo bien. Ustedes tienen que confiar lo que están haciendo bien’, que esto y que lo otro. A todo esto, yo no podía decir nada. Teníamos un contrato de exclusividad y de silencio”, recordó.

“Se la cuida mucho a la mujer, pero al hombre no se lo cuida. Porque se da por sentado que el hombre tiene que bancar todo. Entonces recibía llamados a altas horas, estaba en pareja, no les importaba. Pero bueno, empezaron a pasar muchas cosas”, reveló el actor.

”Antes, durante, después de las escenas recibía llamados. Y de gente de ahí adentro... Después de haber hecho todo esto y de que hayan autorizado escenas en las cuales yo no me enteraba de que tenía que besar o me tenían que hacer diferentes cosas, después de haberme bancado todo, terminó de grabar la serie --que fueron 9 meses de yo haber descartado un montón de proyectos en Argentina-, y me llaman y me dicen: ‘No hay piel entre esta persona -por la cual yo estaba sufriendo acosos-, y vos’. Resulta que la quisieron bajar a ella y ella dijo que el problema era yo y consiguió convencer al resto de las directoras y me bajaron. Me dijeron: ‘Mirá, Benjamín, vamos a rodar todo lo que hiciste de vuelta con otro actor", contó Benjamín Alfonso.

El actor elegido fue Maxi Iglesias, quien alcanzó una altísima fama y popularidad gracias a su personaje en la serie. Pero Benjamín no solo se quedó sin el trabajo, sino que esa situación lo terminó separando de su pareja. Un amigo lo acompañó durante el proceso y después perdió la vida, por lo cual el actor cayó en un pozo de angustia que lo llevó a perder 13 kilos.

“Comencé a tapar emociones que se me empezaron a imprimir en el cuerpo. Dejé de procesar la comida, el mate, bajé 13 kilos. En el medio me agarró la pandemia en España, gastando todo lo que había ganado en euros. Perdí seguridad en mí mismo, alejé a mi pareja, a mis amigos, me empecé a quedar solo prácticamente. Son cosas que recién ahora las puedo contar. El miércoles tuve una muy buena clase de teatro, que le mando un beso grande a Santi y mi profe y maestro amigo. Y ahí saqué mucho de todo esto, por eso ahora también lo puedo contar tanto”, explicó.

El jueves 14 de agosto, se estrenó la serie “En el barro” en la plataforma de Netflix, donde se mantiene entre las más vistas. El spin-off de “El marginal” tuvo tan buena recepción del público argentino y extranjero, que no se habló de otra cosa estos últimos días. Lo que no todos sabían es que la pareja de Nazarena Vélez, Santiago Caamaño, tiene un papel siniestro y perturbador.

En ese sentido, la panelista de “LAM” (América TV) habló sobre el personaje de su novio en la serie. La famosa contó que le impactó verlo en un rol tan oscuro. Además, reveló que estaban de vacaciones en Brasil cuando él comenzó a leer el guión de su personaje.

Santiago Caamaño, cuyo apodo es “Bocha”, interpreta a un personaje cruel y sanguinario, lo que generó una fuerte reacción en Nazarena Vélez. Ella describió la experiencia como perturbadora, especialmente al verlo en un rol tan alejado de su personalidad habitual. “Fue fuerte porque el papel es fuerte y lo odiás”, admitió en un móvil con “Puro show” (El Trece).

La mamá de Barby Vélez también reconoció que le causa satisfacción ver a Santiago brillar en un personaje tan potente. "Es uno de esos que quedan en la cabeza de la gente y que uno como actor los agradece", afirmó.

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En el ciclo de Ángel de Brito, la actriz insistió en la impresión que le generó: “No me gustó porque fue fuerte. Es la primera vez que lo veo en una escena sexual y me shockeó. Cuando lo vi con los bigotes dije: ¡Ay, no me toques! ¡Salí de acá! Me generó eso, pensé que no, pero sí”.

"En el barro" está generando una gran repercusión, y el personaje de Santiago Caamaño ha sido especialmente destacado por su intensidad y crueldad. Naza, al ser consultada sobre el tema, no dudó en apoyarlo.

Nazarena Vélez habló en #PuroShow sobre el papel de su novio, Santiago Caamaño, en la serie En El Barro.@puroshowok pic.twitter.com/GD0lbI3QXR

Este sábado por la tarde, murió el actor Alberto Martín a sus 81 años, tras pasar varios días internado luchando contra una grave enfermedad.

El artista que acompañaba a Carmen Barbieri en “Mañanísima” y hasta protagonizaban un divertido momento “romántico” se encontraba en una situación crítica, producto de una dura enfermedad terminal.

Durante 2023 y 2024, Alberto Martín fue parte del ciclo de la humorista, donde tenía una sección en la que cocinaba sus mejores platos y su química con Carmen Barbieri traspasaba la pantalla.

Sin embargo, pese a algunas entrevistas que brindó en televisión poco a poco, el actor fue desapareciendo de los medios: su última aparición fue el pasado 10 de junio, con un mensaje dedicado a los padres.

El mal momento de salud que Alberto Martín sufrió en 2021

A sus 76 años, Alberto Martín tuvo que ser operado de urgencia por un tumor en la base del ojo derecho. Fue el propio artista quien contó la situación de salud que atravesaba.

“Es cierto que me operaron para sacarme un tumorcito (…) había que quitarlo o quitarlo”, dijo en ese momento, a través de un audio que envío a Rodrigo Lussich.

De todos modos, el famoso se había mostrado optimista con el resultado, a la espera de los resultados de los estudios derivados de la intervención. “Veremos que sale. Yo soy muy positivo en todo esto”, comentó.

El actor Pablo Alarcón quedó internado tras chocar con alta velocidad dos vehículos estacionados en el barrio de Chacarita y fue asistido por el SAME. El incidente ocurrió este mediodía en avenida Córdoba al 6000, cerca de Dorrego.

Según el parte oficial de la Policía de la Ciudad, el intérprete manejó con tranquilidad hasta que de pronto aceleró. El móvil perdió el control y embistió dos autos estacionados. Personal de la Comisaría Vecinal 15A llegó al lugar y confirmó su identidad.

Aunque se habló de un ACV, el comunicado aclaró: “se habría descompensado mientras manejaba, lo que provocó el accidente”. Añadió que “fue asistido por el SAME y trasladado al hospital Fernández con diagnóstico de desmayo, sin riesgo de vida”.

El parte oficial indicó que no se registraron heridos graves en los otros vehículos. El hospital Fernández informó que Alarcón permaneció en observación tras el desmayo.

El reconocido actor Juan Minujín sostuvo que “la salud de los chicos” no está en discusión, durante su visita al Hospital Garrahan donde se mostró en defensa de la lucha de los trabajadores de la institución -principalmente médicos y residentes- quienes realizarán un nuevo paro en contra de los recortes presupuestarios impulsados por el Gobierno de Javier Milei.

En principio, el artista señaló: “Podemos discutir un montón de cosas, pero frente al acceso a la salud de los chicos de todo el país, sin importar su condición económica, es un tema en el que nos tenemos que poner de acuerdo todos como sociedad. Es un punto de partida”.

Al ser consultado por si una figura pública, que proviene de la escena artística como él, puede alentar a que más personas se sumen a la lucha, el intérprete negó rotundamente: “No, lo hago porque me interesa y sé que hay algo de voz que se escucha por el rol circunstancial que tengo”.

“Apoyo legítimamente lo que están reclamando. Si todos pudiéramos hacer la visita que yo hice y si mucha gente pudiera ver luchar a los trabajadores que están acá, la empatía sería mucho mayor. Si hubiera más información circulando, la empatía sería enorme porque no hay mucho que discutir acá”, añadió.

Por último, el intérprete no quiso dejar palabras dedicadas al gobierno: “Eso lo dejo para los trabajadores que lo han dicho de muchas formas y con legitimidad frente al reclamo que tiene que hacer”.

"En el acceso a la salud de los chicos nos tenemos que poner todos de acuerdo"Juan Minujin visitó el Hospital Garrahan y respaldó la lucha de los trabajadores y residentes: "Si la gente los viera la empatía seria mucho mayor".📹 Vía @prensaobrera pic.twitter.com/h7WdehaTnE

El personal del nosocomio convocará, junto a varios gremios, a una manifestación de todo el sector de la salud pública a nivel nacional. Los trabajadores del Garrahan realizan un paro de 24 horas este jueves.

Por tanto, sólo mantienen el servicio de guardia y la atención a los pacientes internados; paralelamente, realizarán una movilización desde el Congreso de la Nación hasta Plaza de Mayo, a las 16.30hs.

Michael Madsen, el actor estadounidense que participó en las películas Kill Bill y Perros de la calle (Reservoir Dogs), murió a los 67 años. Hasta el momento, las autoridades consideran que el motivo del deceso fue un paro cardíaco.

La noticia trascendió este jueves a través del medio Hollywood Reporter. El condado de Los Ángeles informó oficialmente, que el artista fue encontrado sin vida en su departamento en Malibú. 

Los efectivos policiales acudieron al lugar tras responder una llamada del 911. Fue la representante de Madsen, Liz Rodríguez quien dio aviso sobre la trágica situación.

Apodado como el “American badass” o “villano americano”, Michael Madsen debutó en el cine durante la década de los 80 en varios proyectos cinematográficos como War Games(1983) y The Natural (1984).

El intérprete destacó rápidamente en la escena hollywoodense por su presencia intimidante frente a cámaras, lo que le permitió dar vida a personajes duros y complejos.

Pero el punto más alto de su carrera lo alcanzó gracias a su participación en las películas Kill Bill 2 y Perros de la calle (Reservoir dogs), ambas del director Quentin Tarantino, con quien tuvo una gran relación laboral. 

En la segunda película, encarnó al personaje Vic Vega, quien utilizó el seudónimo “Señor Rubio” como parte de la trama. Se trata de un criminal sociópata que termina abatido por un compañero cuando se disponía a matar a un policía después de torturarlo salvajemente.

Este personaje, lo catapultó como uno de los villanos más reconocidos del cine independiente.

Tras su muerte, el equipo de managers del actor firmó un comunicado en el que ampliaron algunos de los futuros proyectos en los que se involucró recientemente.

“Michael estaba trabajando en películas independientes como Resurrection Road, Concessions y Cookbook for Southern Housewives, y esperaba con entusiasmo esta nueva etapa de su vida”, informa el documento público.

René Bertrand, querido actor y director, murió a los 53 años. La triste noticia fue confirmada por la Asociación Argentina de Actores en diálogo con TN Show.

El hombre, que también llevaba adelante la coordinación artística de Polémica en el bar, era hijo de María Rosa Fugazot y César Bertrand y pertenecía a la tercera generación de una familia de artistas. Durante su trayectoria pudo hacer teatro, cine y televisión.

René estaba casado con la actriz Belén Giménez y tenían dos hijos en común: Sofía y Franco.

Desde muy chico, René supo que iba a seguir los pasos de su mamá y su papá y decidió estudiar en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático. Cuando terminó la carrera, en 1990, fue convocado casi de inmediato para integrar el elenco del teleteatro Una voz en el teléfono, escrito por Alberto Migré y emitido por Canal 9. Su carrera televisiva continuó en ascenso y, al año siguiente, Canal 13 lo sumó a la telecomedia Son de 10, donde compartió pantalla con figuras emergentes como Florencia Peña y Nicolás Cabré.

Entre 1991 y 1993, participó activamente en diversas telecomedias del prime time de Canal 9, entre ellas Chance, Inconquistable Corazón, El Club de los Baby Sister, Corazón de tiza, Alta Comedia y Regalo del cielo. También fue parte de Sin condena, ciclo creado por Rodolfo Ledo, en el que interpretó un papel en uno de los episodios.

En 1992 obtuvo su primer personaje de gran visibilidad: Gaspar, la contrafigura de Pablo Rago en la exitosa comedia Amigos son los amigos, emitida por Telefé, que en ese momento lideraba el rating en el horario central.

Entre 1993 y 1996, Bertrand se mantuvo ligado a Telefé, participando en ciclos emblemáticos como El Gordo y el Flaco, Brigada Cola, Quereme, Los Benvenutto, Chiquititas y Cebollitas. Paralelamente, incursionó en el teatro con la obra El que me toca es un chancho, escrita por Alberto Drago, que se presentó en el Centro Cultural General San Martín.

A lo largo de su carrera, Bertrand combinó su intensa actividad profesional con una búsqueda constante de perfeccionamiento. Nunca dejó de formarse y asistió a seminarios de canto, mimo, dirección e iluminación, demostrando un compromiso profundo con su oficio artístico.

En 1998, René Bertrand formó parte del programa de entretenimientos Telesuerte, emitido por Canal 9. Durante la primera mitad de 1999 participó en la miniserie Drácula, protagonizada por Carlos Andrés Calvo, Alejandro Awada, Ulises Dumont y Carolina Fal. A fines de ese mismo año, Gerardo Sofovich lo convocó para una nueva edición de su clásico ciclo La peluquería de Don Mateo, donde Bertrand mostró sus mejores dotes artísticas. Participó en las ediciones de los años 2000, 2003 y 2004, y allí encarnó personajes que quedaron en la historia del programa, como el Rosarigasino, quizás su creación más recordada en televisión.

Entre 2001 y 2002, fue convocado por Guillermo Francella para formar parte de Poné a Francella, el exitoso ciclo humorístico que emitió Telefe. En 2005 tuvo una participación en el capítulo «Asignaturas pen-dientes» de la popular sitcom Casados con hijos, también protagonizada por Francella y Florencia Peña.

En 2010 integró el elenco de Polémica en el bar. En mayo de 2013 regresó a la televisión protagonizando, junto a Toti Ciliberto, una nueva versión de La peluquería de Don Mateo por la pantalla de Canal Magazine, donde interpretó el papel del “cliente”, personaje que en el pasado fue encarnado por figuras como Javier Portales, Berugo Carámbula y Rolo Puente.

Ese mismo año integró el elenco de la película El negro Olmedo, basada en la vida del popular capocómico argentino, donde tuvo el desafío de interpretar a su propio padre, César Bertrand. Hacia fines de 2013 fue convocado por la productora Pol-ka para participar en los últimos dos capítulos de la exitosa serie Solamente vos, protagonizada por Adrián Suar y Natalia Oreiro.

En 2017 se desempeñó como director de actores en una nueva versión de Polémica en el bar, emitida a diario por América, bajo la producción de Gustavo Sofovich y la conducción de Mariano Iúdica. Allí también realizó algunas participaciones actorales.

Durante 2021 trabajó como director de actores del programa El taller de Checho y Batista, emitido por TV Pública y protagonizado por Tomás Quintín Palma, Señorita Bimbo y Charo López. En 2022 formó parte del elenco de la serie El encargado para Star+, dirigida por Gastón Duprat y Mariano Cohn, y protagonizada por Guillermo Francella.

El universo del doblaje en español se encuentra de luto tras conocerse la noticia del fallecimiento a los 91 años del actor Javier Franquelo, quien le puso voz a diversos personajes, como el Señor Burns en “Los Simpsons”.

El español Franquelo dedicó gran parte de su vida a doblar algunos de los personajes más reconocibles de exitosas series animadas, sitcoms, películas y videojuegos.

Desde ADOMA, el Sindicato de Artistas de Doblaje de Madrid, confirmaron la triste noticia con un mensaje de despedida en sus redes sociales, donde destacan que la "familia del doblaje se ha despertado huérfana. Nuestro querido compañero y amigo, Javier Franquelo, ya es parte de la historia de la profesión".

Javier comenzó a poner voz al señor Burns en la temporada 12 de “Los Simpson”, tomando el relevo de su voz de las primeras temporadas, el no menos legendario Pedro Sempson, y a lo largo de 22 años acabó convirtiéndose en su timbre más característico en la versión española de la serie de la “familia amarilla”.

Franquelo ya había trabajado en Los Simpson previamente como la primera voz en español del presentador Kent Brockman, y en “Futurama”, la otra gran serie animada de Matt Groening, fue el profesor Fansworth desde los primeros episodios, hasta la temporada 11.

Además de su trabajo en el mundo de la animación occidental y animé, el actor también puso voz a personajes en videojuegos como Far Cry, Star Wars: Battlefront II (donde fue el emperador Palpatine), Filemón en juegos de Mortadelo y Filemón, Kingdom Hearts 2 o los juegos de Harry Potter.

Javier Franquelo, en la TV y el cine

En cuanto al doblaje en títulos de acción real, además de poner voz española a personajes en series como “Seinfeld” o “The Big Bang Theory”, Franquelo era reconocible como la voz española de Patrick Stewart en su papel de Charles Xavier en la saga “X-Men”, tarea que retomó con el regreso del personaje en Doctor Strange en el multiverso de la locura.

Para el recuerdo televisivo queda el encuentro de Franquelo con el actor británico, coincidiendo con su visita a “El hormiguero” en 2017, con motivo del estreno de Logan.

Nicolás Cabré, conocido por mantener un bajo perfil, atraviesa uno de los momentos más difíciles de su vida: la muerte de su madre, Cristina Birckenstaedt. Este jueves 12 de junio, el actor compartió un conmovedor mensaje en redes sociales, acompañado por una fotografía inédita de la infancia de Cristina, fechada en 1956 durante los carnavales.

“Volá alto, Cristina. Volá lo más alto que puedas. Volá lo más alto que quieras. Acá te vamos a recordar y extrañar”, escribió el actor, rompiendo con su habitual hermetismo para despedir a quien fue su pilar desde sus primeros pasos en la actuación. La imagen elegida, coloreada a mano, reflejaba la ternura de una madre que lo acompañó en silencio, incluso cuando él comenzaba su carrera como niño actor y ella trabajaba como portera en escuelas del barrio Mataderos.

Cristina enfrentó una larga enfermedad antes de su fallecimiento. Cabré ya había vivido una pérdida devastadora en 2016, cuando murió su padre, Norberto, quien trabajaba como taxista. En distintas entrevistas, el actor recordó el esfuerzo de sus padres, quienes cuidaban cada peso que él ganaba en sus primeros trabajos para asegurarle un futuro. “Ellos ahorraban para que yo pudiera tener mi casa propia”, contó en su momento.

La partida de su madre no solo lo afecta como hijo, sino también como padre: Cristina tenía un fuerte vínculo con Rufina, su nieta, fruto de la relación entre Nicolás y la China Suárez. Su ausencia deja un vacío en esa dinámica familiar tan íntima como sólida.

A pesar del dolor, Cabré encuentra contención en Rocío Pardo, su actual pareja, con quien se comprometió este año en Punta Cana. Ella no solo lo acompaña en este difícil momento, sino que también ha construido un fuerte lazo con Rufina. Juntas compartieron incluso un viaje a Japón para celebrar el cumpleaños de la niña, consolidando una relación que el actor valora profundamente. "Vos [sos] el mío, te amo", le dedicó Cabré a Rocío en redes, en medio de lo que definieron como un “retiro mental” en la costa.

La figura de Cristina también dejó una marca en la comunidad. En Mataderos, era reconocida por su calidez y cercanía. Las vecinas la recordaban en el café de la esquina, mientras algunas fanáticas del actor se acercaban hasta su casa en busca de un autógrafo o una foto.

Hoy, Nicolás Cabré sigue adelante entre proyectos actorales y su rol como director. Aunque el dolor de la pérdida es reciente, encuentra en Rufina y Rocío la fuerza necesaria para avanzar. Su despedida fue breve, sentida y clara: “Acá te vamos a recordar y extrañar”. Y en esa frase, como en la foto de su madre niña, se resume una historia de amor, esfuerzo y legado.

Jonathan Joss, actor estadounidense conocido por dar voz al personaje John Redcorn en la serie animada Los reyes de la colina y por su papel como el jefe Ken Hotate en Parks and Recreation, falleció el domingo tras recibir disparos en San Antonio, Texas. Tenía 59 años.

El Departamento de Policía de San Antonio confirmó que los agentes fueron despachados a un tiroteo en progreso en una zona residencial alrededor de las 7:00 p.m. del domingo, donde encontraron a Joss herido de bala cerca de la carretera.

Los oficiales comenzaron a administrar primeros auxilios hasta que llegaron los servicios de emergencia, pero el artista fue declarado muerto en el lugar.

Un sospechoso, identificado como Sigfredo Alvarez Ceja, de 56 años, fue detenido por la policía tras el tiroteo y posteriormente acusado de asesinato.

Las autoridades informaron que el sospechoso es vecino de Jonathan Joss y que la investigación del incidente continúa en curso.

El actor, nacido en 1965 con el nombre completo Jonathan Joss Gonzales, comenzó su carrera actoral apareciendo en varios westerns, incluyendo la película biográfica de rodeo 8 Seconds de 1994 junto a Luke Perry y Stephen Baldwin, antes de conseguir su papel más reconocido como John Redcorn en Los reyes de la colina en 1997.

Proporcionó la voz para este querido personaje durante las 13 temporadas completas de la serie animada hasta 2010 y estaba programado para regresar en el próximo revival de la serie, que se estrena en Hulu el 4 de agosto.

Además de King of the Hill, Joss también tuvo un papel recurrente memorable como el líder de la tribu Wamapoke, el jefe Ken Hotate, en la comedia Parks and Recreation.

Previamente había declarado a Entertainment Weekly que consideraba a su personaje como uno de los mejores personajes nativos americanos representados en televisión.

“En Hollywood, no tienes muchas personas nativas escribiendo para personajes nativos”, declaró. “Creo que los escritores desarrollaron el personaje y confiaron lo suficiente en mí, porque soy una persona nativa, para que pudiera calzar esos zapatos y ser capaz de crear este personaje tridimensional... Él era esencialmente el mejor personaje nativo en televisión”.

Entre otros créditos de la estrella televisiva se incluyen películas como el remake de 2016 de The Magnificent Seven y True Grit, así como programas de televisión como Walker, Texas Ranger, Friday Night Lights, Ray Donovan y Tulsa King.

El artista había denunciado públicamente

El artista había denunciado públicamente la discriminación que sufría apenas dos días antes de ser asesinado (NBC)El presunto asesinato de Jonathan Joss ocurre cinco meses después de que su casa de la infancia fuera destruida en un incendio que también mató a tres de sus perros.

En ese momento, él había dicho al San Antonio News Express que la residencia no tenía gas ni electricidad, por lo que él y su pareja habían estado encendiendo una parrilla de barbacoa dentro de la casa para calentarse y hacer comida.

Posteriormente se estableció una campaña de GoFundMe para ayudar a Joss a recuperarse y comenzar a reconstruir la casa, que había sido construida por su padre para su madre en 1957.

Apenas dos días antes del tiroteo fatal, Joss había interrumpido un panel sobre el próximo revival de Los reyes de la colina en el ATX TV Festival. En un momento, se levantó de la audiencia y habló sobre la discriminación que había estado enfrentando.

“Soy un actor”, dijo. “Veo un micrófono, lo uso. Veo algo malo, lo corrijo. Respiro, quiero respirar”. Luego reveló: “Mi casa se quemó hace tres meses porque soy gay”.